Galleries & Museums

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18 Francesca Minini
14 Gió Marconi
12 kaufmann repetto
5 Galleria Raffaella Cortese
2 Brand New Gallery
3 Cardi Gallery
7 Galleria Monica De Cardenas
8 Massimo De Carlo
20 Pirelli HangarBicocca
11 Istituto Svizzero
22 Galleria Lia Rumma
25 La Triennale
27 ZERO...
15 Marsèlleria
21 Fondazione Prada
4 Fondazione Carriero
10 Fanta Spazio
24 Tile Project Space
1 Armada
16 THE MEGA VIEW
23 Federica Schiavo Gallery
6 Cortesi Gallery
30 Clima
31 Fondazione Marconi
32 VISTAMARESTUDIO
33 Galleria Federico​ ​Vavassori
34 Francesco Pantalone Arte Contemporanea
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Francesca Minini

Via Massimiano 25, 20134

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Gió Marconi

Via A. Tadino 20, 20124

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kaufmann repetto

Via di Porta Tenaglia 7, 20121

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Galleria Raffaella Cortese

Via A. Stradella 1, 4, 7, 20129

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Galleria Raffaella Cortese

Via A. Stradella 1, 4, 7, 20129

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Cardi Gallery

Corso di Porta Nuova 38, 20121

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Galleria Monica De Cardenas

Via F. Viganò 4, 20124

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Galleria Monica De Cardenas

Via F. Viganò 4, 20124

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Massimo De Carlo

Lambrate/Ventura Via G. Ventura 5, 20134

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Massimo De Carlo

Lambrate/Ventura Via G.Ventura 5, 20134

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Massimo De Carlo

Palazzo Belgioioso Piazza Belgioioso 2, 20121

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Pirelli HangarBicocca

Via Chiese 2, 20126

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Pirelli HangarBicocca

Via Chiese 2, 20126

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Istituto Svizzero

Via del Vecchio Politecnico 3, 20121

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Galleria Lia Rumma

Via Stilicone 19, 20154

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ZERO...

Via Carlo Boncompagni 44, Milano, 20139

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Marsèlleria

Via Paullo 12/A, 20135

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Marsèlleria

Via privata Rezia 2, 20135

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Marsèlleria

Via privata Rezia 2, 20135

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Fondazione Prada

Fondazione Prada / Osservatorio Galleria Vittorio Emanuele II, 20121

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Fondazione Prada

Largo Isarco 2, 20139 / Osservatorio Fondazione Prada,

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Fondazione Carriero

Via Cino del Duca, 4, 20122

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Fanta Spazio

Via Merano 21, 20127

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Armada

Via Privata Don Bartolomeo Grazioli 73, 20161

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Federica Schiavo Gallery

Via Barozzi 6, 20122

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Cortesi Gallery

Corso di Porta Nuova 46/B, 20121

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Fondazione Marconi

Via Tadino 15, 20124

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VISTAMARESTUDIO

Viale Vittorio Veneto 30​, 20124

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Galleria Federico​ ​Vavassori

Via G. Giulini 5, 20213

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Francesco Pantalone Arte Contemporanea

Via San Rocco, 11, 20135

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Gió Marconi

Via A. Tadino 20, 20124

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kaufmann repetto

Via di Porta Tenaglia 7, 20121

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Galleria Raffaella Cortese

Via A. Stradella 1, 4, 7, 20129

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Brand New Gallery

Via C. Farini 32, 20159

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Cardi Gallery

Corso di Porta Nuova 38, 20121

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Galleria Monica De Cardenas

Via F. Viganò 4, 20124

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Massimo De Carlo

Via G. Ventura 5 / Palazzo Belgioioso, Piazza Belgioioso 2,

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Pirelli HangarBicocca

Via Chiese 2, 20126

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Istituto Svizzero

Via del Vecchio Politecnico 3, 20121

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Francesca Minini

Via Massimiano 25, 20134

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Galleria Lia Rumma

Via Stilicone 19, 20154

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La Triennale

Viale E. Alemagna 6, 20121

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ZERO...

Via Carlo Boncompagni, 44, 20139

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Marsèlleria

Via privata Rezia 2, 20135

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Fondazione Prada

Largo Isarco 2, 20139 / Osservatorio Fondazione Prada,

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Fondazione Carriero

Via Cino del Duca, 4, 20122

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Fanta Spazio

Via Merano 21, 20127

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Tile Project Space

Via Garian 64, 20146

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Armada

Via Privata Don Bartolomeo Grazioli 73, 20161

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THE MEGA VIEW

Piazza Vetra 21, 20123

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Federica Schiavo Gallery

Via Barozzi 6, 20122

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Cortesi Gallery

Corso di Porta Nuova 46/B, 20121

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Clima

Via ​A. Stradella, 5​, 20129

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Fondazione Marconi

Via Tadino 15, 20124

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VISTAMARESTUDIO

Viale Vittorio Veneto 30​, 20124

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10 Corso Como

Corso Como 10 - 20154

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Bar Basso

Via Plinio 39 - 20129

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La Belle Aurore

Via Privata G. Abamonti 1 - 20129

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Fioraio Bianchi Caffè

Via Montebello 7 - 20121

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Charmant

Via G. Colombo 42 - 20133

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Grand Hotel et de Milan

Via A. Manzoni 29 - 20121

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Lile in cucina

Via F. Guicciardini 5 - 20129

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Panificio Davide Longoni

Via G. Tiraboschi 19 - 20135

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Pasticceria Marchesi

Via Santa Maria alla Porta 11a - 20123

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Trattoria Masuelli San Marco

Viale Umbria 80 - 20135

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La Nuova Arena

Piazza Lega Lombarda 5 - 20154

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Pavé

Via F. Casati 27 - 20124

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Antica Trattoria della Pesa

Viale Pasubio 10 - 20154

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Picchio

Via Melzo 11 - 20129

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Piero e Pia

Piazza D. Aspari 2 - 20129

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Polpetta DOC

Via B. Eustachi 8 - 20129

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Osteria del Treno

Via San Gregorio 46 - 20124

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Fonderia Artistica Battaglia

Via Stilicone 10 - 20154

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Pasticceria Cucchi

Corso Genova 1 - 20123

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Otto

Via Paolo Sarpi 10 - 20154

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DRY Cocktails & Pizza

Via Solferino 33 - 20121

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Capetown Café

Via Vigevano 3 - 20144

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Pisacco

Via Solferino 48 - 20121

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CONVERSO

CLS Architetti - San Paolo Converso Piazza S. Eufemia, Milano - 20122

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​LùBar

Via Palestro, 16 - 20121

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Mika Tajima “Ulterior”

21 November – 19 January
Tuesday – Saturday
11 am – 7.00 pm

Opening 20 November from 7 pm

Via Massimiano 25, 20134

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Ulterior intimates a macro body conditioned by an unseen infrastructure and force.  The exhibition brings Mika Tajima’s Pranayama sculptures, Negative Entropy and Art d’Ameublement paintings into material relation with the psychic and corporeal experience of power and control. In her work, Tajima examines the technologies that control and effect the body, and now target our senses, emotions and psyches. These days living under the imperative of technology, we acknowledge, resist and submit to various forms and systems of control—a kind of balance of acceptance and refusal, and a search for escape.

Consisting of carved wood monoliths and marble mask forms punctured with chromed Jacuzzi jets, the Pranayama sculptures appear to mediate two separate spaces—serving as membrane, portal or filter between the immediate and the beyond.  The gold jet nozzle patterns on the monoliths trace actual meridian acupressure points that control and release the energy flows in the human body. The perforated sculptures imply an outward escape of a vast and abstract interior into the exhibition space like forced air. This exhalation is countered by the impression of the body form carved into the rigid wood. A tension between the body and the invisible occurs on the plane of the sculpture. 

The marble Pranayama is carved in the shape of a respirator mask and punctured by a single chromed jet.  Derived from a protection device to filter the environment, the calcified form now appears as a prosthetic blockade between the self and outside world. In Ayurvedic practice, the term “pranayama” refers to the control of breath and the regulation of individual life force. 

The abstract woven Negative Entropy textile works underline the implied systems, conduits, and energy in the exhibition Ulterior.  These are acoustic portraits of material production that cannot be readily seen but are substantial to our physical world—data flows at a cloud computing infrastructure, production of nano-medical devices at a biotechnology lab, and vast energy being generated at a plasma fusion generator.  The works are transmutations of audio field recordings made in these locations—sound information to material object. What is captured and remains hidden is woven within the material itself.

The ambient Art d’Ameublement paintings are gradients of aerated paint suspended in clear acrylic boxes.  Released from a pressurized container, the emitted pigments are captured on the inside surface of the painting to create a mirror-like object that simultaneously reflects an exterior space and reveals its interior support. The subtitles of these paintings are deserted islands—places unreachable and unknowable.

 

Ulterior allude a un corpo gigantesco condizionato da infrastrutture e forze invisibili. La mostra instaura un rapporto molto concreto tra i lavori di Mika Tajima, le sculture Pranayama e i dipinti Negative Entropy e Art d’Ameublement, e l’esperienza psichica e fisica del potere e del controllo. Nella sua pratica, Tajima esamina le tecnologie che regolano e influenzano il corpo, e oggi più che mai prendono di mira i nostri sensi, le nostre emozioni, la nostra psiche. In quest’epoca di soggezione all’imperativo della tecnologia, riconosciamo, resistiamo e ci sottomettiamo a diverse forme e sistemi di controllo: un precario equilibrio tra accettazione, rifiuto e ricerca di una via di fuga.

Le sculture Pranayama, monoliti in legno scolpito e forme marmoree di maschere, traforati dai getti cromati delle Jacuzzi, sembrano mediare tra due spazi separati, agendo come membrane, filtri o portali tra l’immediato e ciò che sta oltre. Il disegno degli ugelli dorati sui monoliti ricalca la disposizione sui meridiani dei punti di agopuntura, che controllano e rilasciano i flussi di energia nel corpo umano. Le sculture perforate sottintendono una vasta e astratta fuoriuscita nello spazio espositivo sottoforma di una specie di ventilazione forzata. Questa esalazione è contrastata dall’impressione della forma corporea intagliata nel duro legno. Sul piano della scultura si determina una tensione tra il corpo e l’invisibile.

Il marmo di Pranayama è scolpito nella forma di una maschera respiratoria e forato da un singolo ugello cromato. Derivata da un dispositivo di protezione per filtrare l’aria dell’ambiente, la forma calcificata appare come un blocco protesico tra il sé e il mondo esterno. Nella pratica ayurvedica, il termine “pranayama” allude al controllo della respirazione e alla regolazione della forza vitale dell’individuo.

I tessuti astratti di Negative Entropy ribadiscono i sistemi, le condutture e i flussi energetici che circolano nella mostra Ulterior. Sono ritratti acustici di produzioni materiali che non si vedono nel quotidiano ma sono fondamentali per il nostro mondo fisico: flussi di dati in una infrastruttura di cloud computing, dispositivi nano-medici in un laboratorio di biotecnologie, grossi quantitativi di energia emessi da un generatore a fusione al plasma. Questi lavori sono trasmutazioni delle registrazioni audio realizzate dal vivo in questi ambienti: dall’informazione sonora all’oggetto materiale. Ciò che viene catturato, e normalmente resta nascosto, viene intessuto nel materiale stesso.

I dipinti ambientali Art d’Ameublement sono gradienti di vernice aerografata sospesi in teche di acrilico trasparente. Rilasciati da un contenitore in pressione, i pigmenti emessi vengono catturati nella superficie interna del quadro in modo da creare un oggetto simile a uno specchio, che al tempo stesso riflette uno spazio esterno e rivela il proprio sostegno interno. I sottotitoli di questi quadri sono isole deserte: posti irraggiungibili e inconoscibili.

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Amelie von Wulffen “Ragazze dietro le sbarre (Mädchen hinter Gittern)”

16 November – 19 January
Tuesday – Saturday
11 am – 7 pm

Opening 15 November from 7 to 9 pm

Via A. Tadino 20, 20124

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Gió Marconi is pleased to announce Ragazze dietro le sbarre (Mädchen hinter Gittern), an exhibition of new works by the German artist Amelie von Wulffen, her second at the gallery. Von Wulffen’s latest body of work furthers her yearslong scrutiny of painting as a medium that so often seems to press on without self-awareness.

More than any other approach to art making, painting is venerated for its history, and von Wulffen picks at this edifice from the inside by borrowing from some of the medium’s less sterling chapters. Genre permeates the paintings on view, with von Wulffen incorporating the dimpled lemon rinds of Dutch still life painting and the ribbony brushwork of expressionism. She utilizes the brown hued bluntness of the German palette – a favorite of 18th century genre painters through to Anselm Kiefer – as if it were a genre all its own. The lower brow echelons of painting are not omitted – there are passages clearly inspired by the mass produced, holiday-souvenir variety of painting.

In one work, the same cliché vignettes are painted over and over again like a compulsive tic. One depicts a street corner and the other an autumn landscape, two of the medium’s more quintessential subjects. On top is a nude reaching for an orange. These are they types of things that children imagine artists making, but not what they actually do. In painting them, von Wulffen simultaneously allows herself a short respite from reality and illustrates the chasm between different understandings of the medium. Painting has a broader and stranger definition than we often acknowledge and it is called to perform in myriad contexts, many of which have been effectively chased out of town, but not here.

A still life collects the usual silver jugs, glass bottles and half peeled lemon, but two framed photos spoil the historic setting with their contemporaneity. They are the variety seen in suburban homes: cute kids posing, panting dogs. The sensation is like a brother or sister calling to talk about some meaningless family drama while one is trying to masturbate. Another painting pictures a somber dinner table scene. Perched in the corner is a woman eating an ice cream and watching a series about prisoners on death row. Reality seems to interrupt fantasy, or is it vice versa. Perhaps ignoring reality is a new form of universality. A hysteric head in another painting asks if we’ve seen the new House of Cards.

This opposition runs through von Wulffen’s paintings like a conflicted train of thought, wavering between impulse and reason, repression and facade, personal and universal. Difficult decisions are furloughed in favor of which flavor Magnum or Netflix show to choose. Ragazze dietro le sbarre (Mädchen hinter Gittern) paints a portrait not only of the long, strange history of painting, but of interiority, where all of us spend the majority of our time.

Patrick Armstrong

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Bruno Munari “Ognuno vede ciò che sa (Everyone sees what they know)”

13 November – 16 February
Tuesday – Saturday
11 am – 7.30 pm

Opening 13 November from 6.30 to 9 pm

Via di Porta Tenaglia 7, 20121

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kaufmann repetto is pleased to announce Ognuno vede ciò che sa (Everyone sees what they know), an exhibition of works by Bruno Munari curated by Alberto Salvadori. The show has been realized in collaboration with Andrew Kreps Gallery, New York, who organized the first comprehensive exhibition of the artist’s works in the United States this May 2018.

Bruno Munari (1907-1998) was a versatile character in 20th century art, a man who created a genuine idea of an alternative reality over the course of his career. He is part of that narrow handful of key-figures consistently out of sync with the various movements and manifestos of his time; his strong sense of self-irony, a distinctive element of his personality and art, has always shielded him from belonging to any singular group or artistic movement. A leading graphic designer and designer of objects, an artist, an inventor, and a pedagogist; Munari has constantly been in dialogue with myriad artistic and technical languages, representing, in many ways, one of the few minds with a truly Leonardo-esque outlook that we have come to recognize in the recent history of art.

It is only throughout certain dichotomies - geometry and refined spirit, imagination and method, rigor and irony - that we may enter Munari’s world, an artist who grew up in the period of avant-gardes and came into contact with many of them in an interstitial manner.

The year 1962 represents a key moment for Munari, when he staged the exhibition Arte programmata. Arte cinetica. Opere moltiplicate. Opera Aperta (Programmed Art. Kinetic Art. Multiplied Works. Open Work) for Olivetti, then one of the most innovative companies on the planet, in their Milanese showroom inside the Galleria Vittorio Emanuele. ‘Arte programmata’ (‘Programmed Art’) is Bruno Munari’s own linguistic invention that defines works in which pre-determined movement is the constitutive element of the work itself, and as such is programmed, not random: the artwork thus becomes a visual subject/object, designed to produce a particular gestalt experience. A part of the title introduces an extremely important concept: that of the ‘open work’, initially proposed by Umberto Eco in his book of the same name. This text constituted a basic theoretical reference to expand our understanding of connections between the time of perception, and the time of experience with art. Simultaneously, it introduces us to the acts of conscientious freedom that liberate the work and the spectator from themselves and activates a series of inexhaustible relationships that exist outside of a predetermined form or an internal organization of interpretation.

It is around this specific aspect of Munari’s work that the exhibition titled Ognuno vede ciò che sa (Everyone sees what they know), a quote by Munari himself, unfolds. By approaching the medium, which is at once experimental, technological and artisanal, the artist makes the audience both consumer and inventor, participant of his art.

In September 1966, coinciding with the XXXIII Venice Biennial, Bruno Munari exhibited in New York, at the Howard Wise Gallery, a selection of works that reflected his idea of programmed art: Polariscop, Concavo convesso (Concave-convex), Tetracono (Tetracone) and Ora X (X Hour). Today all of these works are included in the exhibition at the gallery with the exception of Ora X, which is housed in the collection of the Museum of Modern Art, New York.

By that time, Munari had experimented with creative forms linked to different aesthetics, including the Xerografie Originali (Original Xerographies), in which the artist’s intervention was completed in an intentional gesture, which generated a random effect. The photocopier was thus used as a tool to produce unique works within their serial matrix: an outright paradox. At the experimental section of the XXXV Venice Biennial in 1970, Bruno Munari made a RX 720 photocopier available to both the artists and the public, allowing them to use it in order to produce their own works of art.

That same year, exactly during the Biennial, Bruno Munari presented a book published by Xerox titled Bruno Munari Xerografia. Documentazione sull’uso creative delle machine Rank Xerox (Bruno Munari Xerography. Documentation of the creative use of Rank Xerox): a selection of 110 xerographies realized since the early sixties. A number of works from this selection are included in the exhibition at the gallery, highlighting the expressive power of this simple gesture.

The earliest Sculture da viaggio (Travel Sculptures) date back to the fifties; they represent Munari’s further investigation into the possibilities of an art for all, conceived with the innate irony that informs the most brilliant of intuitions. Xerox and Sculture da viaggio promote modes of production and distribution that enable an art of adaptability and accessibility. They are made of everyday materials, which come from serial production processes themselves. They are works that quintessentially extend Munari’s motivations; they are artworks for everyone.

 

kaufmann repetto è lieta di presentare Ognuno vede ciò che sa, una mostra di lavori di Bruno Munari, curata da Alberto Salvadori. La mostra è stata realizzata in collaborazione con Andrew Kreps Gallery, New York, che ha organizzato la prima retrospettiva su Bruno Munari negli Stati Uniti nel maggio 2018.

Bruno Munari (1907-1998) è stata una delle figure poliedriche dell’arte del Novecento e ha costruito nel corso della sua carriera una vera e propria idea di realtà alternativa. Egli appartiene al piccolo manipolo di figure chiave disgiunte dalle correnti e dai manifesti del secolo scorso; la forte autoironia, tratto distintivo della sua personalità e della sua arte, lo ha sempre preservato dal senso di appartenenza in qualsivoglia gruppo o movimento artistico. Grafico, designer, artista, sperimentatore, pedagogo: Munari è stato costantemente in dialogo con i diversi linguaggi artistici e tecnici del suo tempo, rappresentando, per molti aspetti, una delle poche menti dall’attitudine leonardesca che conosciamo nella storia della produzione artistica recente.

E’ solo attraverso una certa dicotomia di attributi – geometria e finezza di spirito, fantasia e metodo, rigore e ironia - che possiamo entrare nel mondo di Bruno Munari, cresciuto nel periodo delle avanguardie ed entrato in contatto con ognuna di esse in maniera interstiziale.

Il 1962 rappresenta un momento topico per Munari quando, per l’azienda Olivetti, allora un’industria tra le più all’avanguardia a livello planetario, realizza la mostra Arte programmata. Arte cinetica. Opere moltiplicate. Opera Aperta, allestita nello showroom milanese in Galleria Vittorio Emanuele. ‘Arte programmata’, una delle invenzioni linguistiche di Bruno Munari, definisce quelle opere dove il movimento è elemento costitutivo dell’opera stessa ed è programmato, non casuale: in questo modo l’opera d’arte diventa soggetto/oggetto visuale e di esperienza, al contempo fonte stessa di una particolare esperienza gestaltica. Una parte del titolo ci introduce a un concetto estremamente importante: quello di ‘opera aperta’, all’epoca introdotto dall’omonimo libro di Umberto Eco, testo che aprì nuovi orizzonti teoretici sulle connessioni tra il tempo della percezione e il tempo dell’esperienza in arte. Esso ci introduce a quegli atti di libertà cosciente che liberano l’opera e il fruitore ognuno da sé stesso, attivando una serie di relazioni inesauribili senza che ci sia una prescritta modalità e organizzazione interna di fruizione.

Ed è intorno a questo specifico aspetto dell’opera di Munari che si sviluppa la mostra intitolata - citando una frase di Munari stesso - Ognuno vede ciò che sa: attraverso un approccio al mezzo che e’ al contempo sperimentale, tecnologico e artigianale, l’artista rende il pubblico fruitore e al contempo inventore, partecipe della sua arte.

Nel settembre del 1966, in coincidenza della XXXIII Biennale di Venezia, Bruno Munari presenta a New York, presso la Galleria Howard Wise, una selezione di opere appartenenti al periodo programmato: Polariscop, Concavo-convesso, Tetracono, Ora X, tutti lavori inclusi nella mostra in galleria (ad eccezione di Ora X, conservata nelle collezioni del MoMa).

In questi anni inoltre, Munari sperimenta modalità creative afferenti a differenti estetiche, tra queste le Xerografie originali dove l’intervento dell’artista si compie in un lucido e razionale gesto che produce però un casuale effetto. La macchina fotocopiatrice è usata come strumento per produrre opere uniche nella loro matrice di serialità: vero e proprio paradosso. Alla XXXV Biennale di Venezia del 1970, Bruno Munari mette a disposizione degli artisti e del pubblico, nella sezione sperimentale, una macchina fotocopiatrice RX 720, lasciando, a chi avesse voluto, la possibilità di utilizzare una Rank Xerox per produrre la propria opera d’arte.

Lo stesso anno, proprio durante la Biennale, Bruno Munari presenta un volume, edito dalla Xerox, con il titolo Bruno Munari Xerografia. Documentazione sull’uso creativo delle macchine Rank Xerox: una selezione di 110 xerografie realizzate a partire dagli anni Sessanta, parte delle quali esposte negli spazi della galleria, a documentare la ricchezza espressiva di questo semplice gesto.

Agli anni ’50 risalgono invece le prime Sculture da viaggio: ulteriore esempio di un’arte per tutti, consapevolmente concepita con quel senso ironico che racchiude le più intelligenti intuizioni. Xerox e Sculture da viaggio inaugurano una modalità di produzione e diffusione di un’arte votata alla versatilità e all’accessibilità. Questi lavori sono realizzati con materiali poveri frutto di processi di lavorazione seriale. Sono opere che sintetizzano l’essenza del pensiero di Munari; sono opere per tutti.

 

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Silvia Bächli “Nähern”

18 September – 22 November
Tuesday – Saturday
10 am-7.30 pm (closed 1-3 pm)

Opening 17 September from 7 to 9 pm

Via A. Stradella 1, 4, 7, 20129

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Galleria Raffaella Cortese ha il piacere di annunciare la terza mostra personale di Silvia Bächli dal 2013, anno della prima collaborazione.

Artista svizzera attiva sin dagli anni ‘80, ha dedicato la sua ricerca allo sviluppo del disegno in bilico tra astrazione e accenni di figurazione, tra narrazione e azione. Un lessico di linee, griglie, movimenti in continua evoluzione caratterizza la sua produzione inconfondibile, un’indagine costante ma in perenne mutamento. La genesi è da rintracciarsi nella realtà, nella quotidianità, nell’accidentale: una regione invisibile di emozioni e impressioni che vengono formalizzate in un linguaggio intrinsecamente legato al medium.

Uno stile immediato e minimale che dà voce ad un codice di segni, forme, spazi, caratterizzato da sintesi, controllo del gesto, equilibrio misurato, pur conservando sempre qualcosa di incompiuto. La presenza dell’artista si avverte nella diversa pressione della pennellata, negli arresti, nella densità e nelle sfumature dei toni di gouache. I limiti del suo agire sul foglio corrispondono alla dimensione corporale mentre nella composizione come nelle pause si riconosce un’assonanza con la musica: Nella musica, il silenzio è importante tanto quanto le note suonate (Silvia Bächli, 2018).

In occasione della mostra in galleria sono presentati recenti lavori che testimoniano la continuità di una ricerca in costante progresso: Sono sempre meno interessata a storie narrative con un inizio e una fine – afferma l’artista – L’effimero tra le storie e il tono stanno diventando più importanti per me, con tutte le loro lacune, tutto ciò che è non detto, le allusioni, le pause... Le storie che non possono essere addomesticate dalle parole. Storie che nascono dalle linee che si intersecano o scorrono vicine senza mai incontrarsi. Storie che nascono dagli spazi vuoti delle griglie non simmetriche ma incisive. Disegni che non rappresentano ma suggeriscono: E ci sono stati per i quali non abbiamo parole – continua Bächli – ma che possono ancora diventare un’immagine (Silvia Bächli, 2018).

Simone Forti “On An Iron Post”

18 September – 22 November
Tuesday – Saturday
10 am-7.30 pm (closed 1-3 pm)

Opening 17 September from 7 to 9 pm

Via A. Stradella 1, 4, 7, 20129

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Raffaella Cortese ha il piacere di annunciare On An Iron Post, un importante ritorno di Simone Forti in mostra in una galleria italiana dopo la storica collaborazione con la Galleria Attico di Roma negli anni ’70.

Simone Forti è stata presente in Italia negli ultimi anni attraverso la partecipazione a performance e workshop, dal Museo del Novecento di Milano a Palazzo Zenobio di Venezia, e Galleria Raffaella Cortese è orgogliosa di dedicarle una mostra personale nel suo spazio principale in via Stradella 7.

Italiana di origine e trasferita fin da piccola a Los Angeles, Simone Forti è da oltre cinque decenni una figura di spicco nel panorama internazionale per lo sviluppo della performance contemporanea. Artista, coreografa, danzatrice, scrittrice, Simone Forti si è dedicata alla ricerca di una consapevolezza cinestetica e di composizione, rimanendo sempre legata alla sperimentazione e all’improvvisazione.

La collaborazione con altri artisti, partendo dai suoi mentori Anna Halprin – che Raffaella Cortese ha esposto nel 2012 – e John Cage, fino ad arrivare a musicisti quali Charlemagne Palestine e Peter Van Riper, ha rappresentato un altro pilastro della sua pratica artistica.

Nei primi anni ‘60, insieme a ballerini tra cui Steve Paxton e Yvonne Rainer, Simone Forti ha contribuito a innovare l’idea della danza e della performance art introducendovi i movimenti della vita di tutti i giorni. Durante il suo periodo romano, in cui abitava in prossimità dello zoo, ha cominciato a sviluppare parti di performance partendo dall’osservazione dei movimenti degli animali. Nelle opere più recenti, News Animation, ha cominciato ad includere l’uso delle parole nella sua danza.

In occasione della personale in Galleria, Simone Forti presenta opere recenti accompagnate da alcuni lavori storici. Con le seguenti parole, statement della mostra, ci invita a vivere questa esperienza:

I am happy to be showing recent work, a triptych of related videos. As the center of gravity of the show, “On an Iron Post”, they present an intimately physical engagement with ocean, river and lakefront and with sand, water and snow. Each video somehow refers to the broader world, with a mass of newspapers, with an abstracted flag, and with a little black crank-up radio. There is no intended message, but rather an invitation to let your body have it’s own ideas and thoughts. Simone

(Sono contenta di esporre lavori recenti, un trittico di video correlati. Come centro di gravità della mostra, “On an Iron Post”, questi presentano un coinvolgimento intimamente fisico con l’oceano, il fiume, il lago e con la sabbia, l’acqua e la neve. Ogni video si riferisce in qualche modo al mondo più ampio, con una massa di giornali, una bandiera astratta, e una piccola radio nera a manovella. Non è presente un messaggio previsto, ma piuttosto un invito a lasciare che il vostro corpo abbia le proprie idee e pensieri. Simone).

Simone Forti è nata a Firenze (Italia) nel 1935. Vive e lavora a Los Angeles. I suoi lavori e le sue performance sono stati presentati a: Kunsthaus Zurich (2017), Hammer Museum, Los Angeles (2015, 2013), Centre Pompidou, Parigi (2015), Louvre Museum, Parigi (2014), Museum of Modern Art (MoMA), New York (2014, 2013, 2009, 1979, 1978), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (2013), Guggenheim Museum, New York (2013), Hayward Gallery, Londra (2010), Galleria L’Attico, Roma (2008, 1972,1969, 1968), Getty Museum, Los Angeles (2004), Musée d’art moderne et contemporain (MAMCO), Ginevra, (2003), Fondation Cartier pour l’art contemporain, Parigi (2002), Whitney Museum of American Art, New York (2001), Castello di Rivoli, Torino (1999), P.S.1, New York (1983, 1977, 1976), Kunsthalle, Basilea (1979), San Francisco Museum of Art, San Francisco (1977), Yoko Ono Studio, New York (1969, 1961), Merce Cunningham Studio, New York (1961).

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Claudio Verna

17 September – 20 December
Monday – Friday 10 am-7 pm
Saturday by appointment

Opening 17 September from 6 to 9 pm

Corso di Porta Nuova 38, 20121

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Benjamin Senior

28 September – 24 November
Tuesday – Saturday
10 am – 7 pm (closed 1 – 3 pm) / Sat. 12 – 7 pm

Opening 27 September from 6.30 pm

Via F. Viganò 4, 20124

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For his third solo exhibition at Monica De Cardenas Benjamin Senior presents a series of new egg tempera paintings. In these new works the artist places greater emphasis on social engagement. Figures interact through swimming lessons, feeding animals and leisure time at the beach in scenes of social harmony. The presence of animals questions the innocence of the scenes, evoking an unspoken undercurrent of instinctual impulses and appetites.

While Senior is a painter of contemporary life, he takes inspiration from earlier painters such as Poussin and Seurat. Groupings of figures are carefully choreographed. It is an ensemble cast – no single figure dominates, rather each figure contributes to the whole rhythm of the scene. Individual bodies are visually connected to form a larger organism. The checks, stripes, spots and diamonds of the architecture and clothing act as harmonic components inside the composition establishing a dialogue with the figures.

The history of realist painting has always carried the hidden pleasures of composition; while abstract art thought to do away with the image in the name of “pure” form. But Senior lets abstraction’s ideal of flat design clash with the illusion of depth, each contradicting the other, both tangled in a strange embrace. Somewhere in Senior’s paintings is the question of who, in a painting, the human figure addresses, of whether that figure is a subject or an object, of who is looked at and who does the looking. A question about the nature of this peculiar screen we call a painting, and the world we see upon it.
JJ Charlesworth, Art Review, October 2015

Benjamin Senior was born in 1982 and he lives in London, where he received MA in painting from the Royal College of Art in 2010. He held solos exhibitions at Bolte Lang, Zurich; James Fuentes in New York; Studio Voltaire in London and at Grey Noisein Dubai. Residencies and awards include: Kingsgate Workshops Trust Residency 2011 – 2012 and the Gordon Luton Prize for Painting, 2010.

 

Per la sua terza mostra personale da Monica De Cardenas, il giovane pittore inglese Benjamin Senior presenta nuovi dipinti realizzati con la straordinaria tecnica della tempera all’uovo, raffiguranti momenti di vita contemporanea durante il tempo libero: lezioni di nuoto in piscina, passeggiate al parco o allo zoo, relax in spiaggia. In questi lavori si concentra maggiormente sull’interazione tra le persone, sulla vita sociale. I gruppi di figure sono attentamente coreografati per creare una composizione in cui nessuna predomina sulle altre, bensì contribuisce al ritmo della scena nel suo insieme. I singoli corpi sono connessi visivamente per creare un organismo più ampio, quasi musicale. I riquadri, le linee, i cerchi e trapezi delle architetture e dell’abbigliamento fungono da componenti ritmiche all’interno della composizione.

La pittura figurativa spesso ci invita ad analizzare le differenze tra il suo mondo e il nostro reale. Le immagini di Benjamin Senjor vanno oltre, perché questa disparità viene in qualche modo espressa all’interno dei dipinti stessi. Le figure si allungano, si tuffano, corrono o passeggiano all’interno di scenari che fanno eco ai loro movimenti. I suoi soggetti vivono in un mondo che è contemporaneamente animato e composto dai gesti dei corpi.

Come nelle opere di Nicolas Poussin – pittore al quale Senior s’interessa da tempo – il mondo dipinto è come una versione corretta e migliorata di quello vero: più elegante, più ordinata, armonica e desiderabile. Nel lavoro di entrambi i pittori, l’immediatezza del mondo reale dialoga con quella del suo riflesso migliorato e corretto in pittura. All’interno di questo incontro, Senior crea un’inusuale dinamica spazio temporale e al contempo riesce a catturare alcune peculiari caratteristiche umane.

La storia della pittura realista da sempre ha veicolato i piaceri nascosti della composizione, mentre l'arte astratta ha scelto di abbandonare l'immagine in nome della forma "pura". Senior combina il disegno bidimensionale con l’illusione di profondità. I suoi dipinti sollevano quesiti: se la figura è un soggetto o un oggetto, chi osserva e chi è osservato. È una riflessione sulla natura di questo peculiare schermo che chiamiamo dipinto e sul mondo che vi vediamo ritratto.
JJ Charlesworth, Art Review, ottobre 2015

Benjamin Senior (*1982) vive e lavora a Londra dove ha conseguito il Master of Art in pittura al Royal College of Art nel 2010. Ha esposto in mostre personali presso le gallerie Bolte Lang a Zurigo, James Fuentes a New York, Studio Voltaire a Londra e Grey Noise a Dubai. Tra le residenze e i premi i ricevuti ricordiamo: Kingsgate Workshops Trust Residency 2011 – 2012 e il Gordon Luton Prize for Painting, 2010.

Federico Tosi
Goodbye bye bye

30 November – 23 February
Tuesday – Saturday
10 am – 7 pm (closed 1 – 3 pm) / Sat. 12 – 7 pm

Opening 29 November from 6.30 pm

Via F. Viganò 4, 20124

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Carl Andre “Works on paper”

13 September – 22 December
Tuesday – Saturday
11 am – 7 pm

Opening 12 September from 6 pm

Lambrate/Ventura
Via G. Ventura 5, 20134

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"Carl Andre ha iniziato come poeta. Lo scultore che è diventato nel tempo non dovrebbe far dimenticare che i suoi primi materiali d’elezione sono stati le parole e i nomi, non il rame, il legno e l’acciaio” – Christophe Cherix.

La galleria Massimo De Carlo è lieta di inaugurare la nuova stagione espositiva con una personale di Carl Andre. La mostra sarà la prima rassegna esaustiva in Italia delle opere su carta dell’artista, lavori composti di poesie scritte a macchina che precedono e anticipano la pratica scultorea di Andre, offrendo la possibilità di comprendere più intimamente la sua sfera intellettuale.

Gli scritti su carta sono alcuni dei primi lavori di Carl Andre, che iniziò a produrli alla fine degli anni ‘50; in mostra ci sarà una selezione di opere datate dal 1958 al 1963, un periodo in cui l’artista visse a New York e condivise il suo studio con Frank Stella. Lunghe una o più pagine, tutte le poesie sono state composte con una macchina da scrivere manuale e possono essere lette come dei disegni o declamate ad alta voce.

È già possibile riconoscere in queste poesie le più importanti intuizioni estetiche e concettuali di un artista oggi riconosciuto per aver creato un nuovo linguaggio nella scultura: la radicale importanza della ripetizione nella pratica artistica e l’idea di utilizzare materiali già esistenti, tagliarli e ricomporli. Andre affermava spesso di tagliare i testi come il legno, o di battere i tasti della macchina da scrivere come un martello che scendeva su un foglio.

La mostra sarà un’occasione unica per vedere opere che raramente sono state esposte insieme e sono state parte di una celebrata retrospettiva itinerante partita dal DIA nel 2014 e passata per il Reina Sofia, l’Hamburger Bahnhof, il Musée Moderne de la Ville de Paris, e il Los Angeles MoCA. Parte dei lavori fanno parte della mostra permanente della Fondazione Chinati mentre lo Stedelijk Museum possiede una collezione significativa di questo corpo di opere. La Tate Gallery di Londra ha attualmente in corso un progetto di riorganizzazione di queste opere in un catalogo ragionato.

McArthur Binion “Ink: work”

13 September – 22 December
Tuesday – Saturday
11 am – 7 pm

Opening 12 September from 6 pm

Lambrate/Ventura
Via G.Ventura 5, 20134

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Massimo De Carlo is pleased to inaugurate the new season with the first solo exhibition in Italy by the American artist McArthur Binion, who returns to Italy after having taken part in the 2017 Venice Biennale.

American artist McArthur Binion was born in Mississippi in 1946 and is now based in Chicago. Throughout his fifty-year practice of assemblage painting, the artist has interwoven individual memories with historical recollection and his experience of America in the past, by layering paint and personal memorabilia onto large-scale canvases.

Ink:Work presents a new series of works made specifically for this exhibition, that revolve around the use of colour and ink, specifically secondary colours that the artist applies with paint stick. The works on show are a continuation of the artists’ DNA series, an exploration of the relationship between past and present. In each of these works the artist blends private documents, hand written pages of his old phone books (where names from the past such as ‘Mary Boone’ and ‘Basquiat’ evoke the 70s and 80s New York art scene) are covered with layers of painted coloured grids, that conceal and at the same time introduce the narration element of his practice. McArthur lived in NYC from 1973 until 1992, everything and everyone who revolved around his studio at the time is captured and framed in each painting.

The use of personal documents asserts the artist own existence and the layers of paint encompass the artist’s experience with authority and the art world in America. Talking about the series Binion stated that he was interested in “how to bring something into being: not to have it fabricated but to work in an applied way”.

 

La galleria Massimo De Carlo è lieta di inaugurare la nuova stagione espositiva con la prima mostra personale in Italia, dopo la sua partecipazione alla Biennale di Venezia del 2017, dell’artista Americano McArthur Binion.

McArthur Binion è nato in Mississippi nel 1946 e vive a Chicago. Nel corso di cinquant’anni di esperienza con l’assemblage pittorico, l’artista ha intrecciato i suoi ricordi privati con la memoria storica dell’America del passato, creando stratificazioni di pittura e memorabilia personali su tele di grandi dimensioni.

Ink:Work presenta una nuova serie di opere realizzate specificamente per questa mostra, che ruotano intorno all’uso del colore e dell’inchiostro, in particolare ai colori secondari che l’artista applica con i pastelli a olio. Le opere in mostra sono la continuazione della DNA series un'esplorazione del rapporto tra passato e presente. In questi lavori i documenti privati dell’artista, pagine scritte a mano dei suoi vecchi elenchi telefonici (dove nomi come "Mary Boone" e "Basquiat" evocano la scena artistica newyorkese degli anni '70 e '80) vengono coperti da strati di colore, griglie dipinte che occultano e al tempo stesso organizzano sulla tela l’elemento narrativo della sua pratica. McArthur ha vissuto a New York dal 1973 al 1992: chiunque passò nel suo studio in quegli anni è stato in qualche modo catturato dentro ai suoi quadri.

Se l’uso dei documenti personali è un’affermazione della sfera individuale dell’artista, gli strati di pittura ne illustrano l’autorialità e il rapporto con l’arte americana. Parlando della serie, Binion ha dichiarato di aver cercato “un modo per portare qualcosa ad essere senza averlo inventato ma lavorando con le modalità dell’arte applicata".

Carsten Höller “Mushroom Mathematics”

16 November – 12 January
Tuesday – Saturday
11 am – 7 pm

Opening 15 November from 7 to 9 pm

Palazzo Belgioioso
Piazza Belgioioso 2, 20121

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Massimo De Carlo is proud to present Mushroom Mathematics, a new exhibition by Carsten Höller. The artist returns to Italy having presented The Florence Experiment at Palazzo Strozzi in Florence earlier this year. With a similar scientific approach, Carsten Höller premieres a series of sculptures and paintings that transform the gallery into a doubt machine.

Upon entering the first room of the gallery we are confronted with a large vitrine that accommodates 48 replicas of mushrooms in various colours, sizes, and shapes each composed by one half Fly-agaric and the second half made up of edible, inedible, or poisonous mushrooms. The Fly-agaric mushroom (also known as Amanita muscaria) is an important element in cultural history: it holds poisonous and psychoactive properties and it is widely used in shamanic rites. This extraordinary mushroom has also become a symbol for the unexpected as it appears in fairy tales, early Walt Disney movies, and even in videogames such as Super Mario Bros. In the Victorian Age these mushrooms started to appear also on Christmas cards and therefore it is believed they even have affected the representation of Santa Claus (before Coca-Cola would turn this character into a red-and-white-dressed commercial machine).

The sculpture Double Mushroom Vitrine (Forty-eight fold) is surrounded by a number of round and square paintings with the same size realized in different colours. These Division Paintings are based on a simple mathematical partition principle: a line is painted on the canvas surface at the center, splitting it into two parts of the exact same size. One section is subsequently divided again into two new halves, and following this geometric pattern, the canvas is divided over and over again. These paintings, with their clean and accessible appearance, exemplify a simple path to achieve infinity, the most complex of the concepts.

The same division lines return also in the main room of the gallery, populated by a series of Giant Triple Mushrooms that pop-up from the historical floor of Palazzo Belgioioso. These spectacular sculptures are composed of one-half Fly-agaric and two-quarters of other mushrooms. These mysterious vegetal elements (scientists still have many unanswered questions about them) are for Carsten Höller, the icon of uncertainty, ambiguity, as well as a symbol for an endless tension towards research: mushrooms not only open our mind to unpredictable effects, but they do so by living and reproducing in mostly incomprehensible ways.

Inhabited by giant and life-size mushrooms and abstract linear paintings, Mushrooms Mathematics is a combination of geometry and magic, code and invention, rationality and the absurd, and invites everyone to explore new methods of understanding.

 

Massimo De Carlo è lieto di presentare Mushroom Mathematics, una nuova mostra di Carsten Höller. L'artista ritorna in Italia dopo aver presentato all'inizio di quest'anno The Florence Experiment, a Palazzo Strozzi a Firenze: con un approccio scientifico simile, Carsten Höller presenta in anteprima una serie di sculture e dipinti che trasformano la galleria in una macchina del dubbio.

Entrando nella prima stanza della galleria ci troviamo di fronte a una grande vetrina che ospita 48 repliche di funghi in vari colori, dimensioni e forme, ciascuna composta da una metà di Amanita Muscaria e una metà scelta tra varie specie di funghi commestibili, non commestibili o velenosi. L’Amanita Muscaria (conosciuta anche col nome di “ovolo malefico”) è importante nella storia delle culture primitive ed è diventato un simbolo dell’inatteso, talvolta del male, per le sue proprietà velenose e psicoattive e per il suo uso ampiamente documentato nei riti sciamanici. Questo fungo straordinario compare in tempi più recenti nelle fiabe, nei primi film di Walt Disney e persino in videogiochi come Super Mario Bros. Quando in epoca vittoriana l’Amanita ha iniziato ad apparire sulle cartoline di auguri di Natale si dice che possa aver influenzato la rappresentazione di Babbo Natale, prima che la Coca-Cola iniziasse a sfruttare il personaggio vestito di rosso e di bianco per fini commerciali.

La scultura Double Mushroom Vitrine (Forty-eight fold) è circondata da una serie di quadri rotondi e quadrati con le stesse dimensioni, realizzati in diversi colori. Questi Division Paintings si basano su un semplice principio di partizione matematica: una linea dipinta al centro della tela divide la superficie in due parti della stessa dimensione. Una delle due sezioni viene successivamente divisa in due nuove metà e, seguendo questo schema geometrico, la tela viene divisa più e più volte. Con il loro aspetto chiaro e accessibile, questi dipinti utilizzano un percorso semplice per raggiungere il più complesso dei concetti, l'infinito.

Le stesse linee divisorie tornano anche nella sala principale della galleria, popolata dalla serie Giant Triple Mushrooms, spettacolari sculture che spuntano dal pavimento di Palazzo Belgioioso, composte da una metà di Amanita Muscaria e due quarti di altri funghi. Questi misteriosi elementi vegetali (sui quali gli scienziati hanno ancora molte domande senza risposta) sono per Carsten Höller l'icona dell'incertezza, dell'ambiguità, e il simbolo di una tensione continua per la ricerca: non solo aprono la nostra mente a effetti imprevedibili, ma lo fanno vivendo e riproducendosi con modalità ancora per lo più incomprensibili.

Popolata da funghi giganti e a grandezza naturale e da quadri lineari astratti, la mostra Mushrooms Mathematics unisce la geometria con la magia, il codice con l’invenzione, la razionalità con l’assurdo, e ci invita a esplorare nuove modalità di ricerca e di comprensione.

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Leonor Antunes “the last days in Galliate”
Curated by Roberta Tenconi

14 September – 13 January
Thursday – Sunday
10 am-10 pm

Opening 13 September from 7 pm

Via Chiese 2, 20126

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Original version in a quote by Fontana in Carla Lonzi, Autoritratto (Bari: De Donato Editore, 1969), 95, reprinted in Anthony White, Lucio Fontana: Between Utopia and Kitsch

(Cambridge, MA/London: MIT Press, 2011), 156.Unless otherwise noted, translations in this essay are by XXX.

 

Pirelli HangarBicocca presents the last days in Galliate, the first major exhibition in Italy of the work of Leonor Antunes (Lisbon, 1972). The exhibition space has radically been redesigned as a single sculptural site, where the lighting and the works intersect with one another. A trajectory that pays tribute to Milan's Modernist tradition, and to the leading figures who contributed to its development and success, names like Franca Helg and Franco Albini.

 

Leonor Antunes

One of the most interesting artists on the contemporary art scene, with solo shows in the major international institutions—such as the Whitechapel Gallery, London, San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco, New Museum, New York, Kunsthalle Basel, Basel, and Fundação de Serralves, Porto—through her sculptures Leonor Antunes reinterprets the history of art, design, and architecture of the twentieth century, and in particular the Modernist tradition, in its most radical and experimental instances.

 

Inspired by the work of artists, architects, and designers, Antunes carries out a meticulous research into their projects, she studies the proportions and dimensions they use, and, after selecting several details and fragments, she transforms them into new forms and elegant works of art. Through this study process the artist ponders the historical context, the meaning of everyday objects, the social role of art and design as means of emancipation and improvement in the quality of life.

 

Created based on a model of existing elements, Leonor Antunes's sculptures brim over with stories and memories, they become the emblems of time and of a specific cultural context, eluding any nostalgic intention that might be connected to them. Hence, each of the artist's display projects breathes life into a complex and stratified visual narrative in which what is of fundamental importance is the relationship with the place where they are formed and the space where the works are exhibited.

 

For her sculptures Antunes prefers to use natural and organic materials on which the traces of time passing remain visible: rope, wood, leather, brass, rubber, and cork, among others. The artist employs artisanal and vernacular techniques, for instance, certain braiding methods used by South America's native tribes, the Murano glass-blowing technique, the patterns of the fishermen's nets from her homeland, Portugal, as well as the specific skills of saddlers, carpenters, or blacksmiths whose work is still today completely done by hand and in clear opposition to mass production, in an ongoing attempt to preserve and hand down knowledge and traditional skills.

 

Among the recurring names in her reference panorama are especially those of women whose work has partially remained in the shadows for so many years. They include Anni Albers (1899-1994), a German designer forced to flee to the United States after the Bauhaus School was closed down, and today considered one of the most important figures in the twentieth century for her avant-garde research in graphic and textile art; Lina Bo Bardi (1914-1992), an architect of Italian origin but with deep ties to the Brazilian Modern Movement, who designed some of the major museums in Latin America, among which the MASP, São Paul Museum of Art; and the Cuban artist Clara Porset (1895-1981), a pupil of the artist Josef Albers (1888-1976), who chose exile in Mexico and undertook in-depth research into the country's local folklore, supporting the need to integrate contemporary design with the traditional forms and materials of craftsmanship.

 

the last days in Galliate

The exhibition hosted at Pirelli HangarBicocca is conceived as a complex site-specific installation that fills the 1,400 square meters of the space known as the Shed: the works, many of which created from scratch, converse with the location's structural elements and natural lighting, thus merging in a single narrative. The Shed is transformed by an intervention that covers the floor with a linoleum intarsia, inspired by a design by Anni Albers, whose colours hark back to the iconic floor designed by the architect and designer Gio Ponti (1891-1979), realized in 1960 for the Pirelli skyscraper in Milan.

 

Antunes also uses light to make sculptures and to scan time: the exceptional opening of eight skylight windows on the roof of the exhibition space brings natural zenithal lighting to inside the environment, while artificial lighting, entrusted to a series of brass lamp-sculptures—which are in turn inspired by some of Anni Albers's designs—generates intimate atmospheres of a domestic dimension.

 

Milan and its rich Modernist tradition, in particular the work of architects Franca Helg (1920-1989) and Franco Albini (1905-1977), are the source of great inspiration for this artist, who weaves these tales with the cultural heritage of companies like Pirelli or Olivetti and with the innovative projects they implemented starting in the 1950s together with creatives who were avant-garde. For the exhibition, Antunes delves deep into the collaboration that took place in the 1950s and '60s between the Studio Albini-Helg and the manufacturing house Vittorio Bonacina—a historical company in the Brianza area, today known as Bonacina 1889, active in the production of furniture and other objects for the home made with rattan and rattan-core.

 

The artist's interest in the activity of Franca Helg is especially visible in a series of new works: starting from the details and forms of several pieces of furniture conceived by the designer for Bonacina but extrapolating them from the context and totally divesting them of their original function, Antunes presents suspended sculptures made in rattan discrepancies with F.H. (2018), which converses with a group of brass works featuring similar shapes.

 

The very title of the exhibition, the last days in Galliate, harks back to the artist's research into the work of Franca Helg, alluded to in the name of the place overlooking Lake Varese and the Alpine foothills, where Helg had planned and built a family house for her parents—one of the few examples of her building projects signed independently of her studio—and the place where she was to spend the final years of her life. However, the title also refers to another avant-garde figure, the designer Clara Porset who spent the last years of her life in the Chimalistac district of Mexico City— whose research was at the core of a former exhibition Antunes held at at the Kunsthalle in Basel in 2013, titled the last days in chimalistac. Porset's work is also paid tribute to in the series of sculptures in wood and rope placed directly on the floor in the exhibition space (Clara, 2018).

 

Other works that contribute to consolidating the narrative conceived for the exhibition at the Pirelli HangarBicocca are a series of hanging and modular sculptures made in black-, green-, ochre-, white- and gold-painted brass which introduce the exhibition route (alterated climbing form I, II, III, IV, 2017), inspired by a small 1954 relief, Climbing Form, by the British artist Mary Martin (1907-1967). Lastly, an allusion to Post-Minimalist art, especially to the work of the artist Eva Hesse (1936-1970), is evoked in in alterated knot, 2018, abstract sculptures in leather and rope directly hanging down from the ceiling—and alluding to the designs of Annie Albers.

 

 

Pirelli HangarBicocca presenta the last days in Galliate la prima grande mostra personale in Italia di Leonor Antunes (Lisbona, 1972). Lo spazio espositivo viene ripensato radicalmente come un unico ambiente scultoreo, dove opere e luce si integrano. Un percorso che rende omaggio alla tradizione modernista di Milano e a figure di spicco che hanno contribuito al suo sviluppo e successo come Franca Helg e Franco Albini.

 

Leonor Antunes

Leonor Antunes reinterpreta attraverso le sue sculture la storia dell’arte, del design e dell’architettura del Ventesimo secolo, e in particolare la tradizione del Modernismo nelle sue istanze più radicali e di sperimentazione. Oggi è tra gli artisti più interessanti del panorama contemporaneo, con mostre personali nelle maggiori istituzioni internazionali – come Whitechapel Gallery, Londra, San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco, New Museum, New York, Kunsthalle Basel, Basilea e Fundação de Serralves, Porto.

 

Ispirandosi al lavoro di artisti, architetti e designer, Antunes conduce un’attenta ricerca sui loro progetti, ne studia le proporzioni e misure e, selezionati alcuni dettagli e frammenti, li trasforma in nuove forme ed eleganti opere d’arte. Attraverso questo processo di indagine l’artista si interroga sul contesto storico, sul significato degli oggetti di uso quotidiano e sul ruolo sociale dell’arte e del design come mezzi di emancipazione e di miglioramento della qualità della vita.

 

Create sul modello di elementi esistenti, le sculture di Leonor Antunes si caricano di storie e di memoria, diventano emblemi del tempo e di uno specifico contesto culturale, eludendo qualsiasi intento nostalgico a loro connesso. Ogni progetto espositivo dell’artista dà vita così a una complessa e stratificata narrazione visiva in cui è fondamentale la relazione con il luogo in cui prende forma e con lo spazio in cui le opere vengono esposte.

 

Antunes per la creazione delle sue sculture predilige materiali naturali e organici su cui restano visibili le tracce dello scorrere del tempo – tra cui corda, legno, cuoio, ottone, gomma e sughero. Si avvale di tecniche di lavorazione artigianali e vernacolari, come alcuni metodi di intreccio utilizzati da tribù indigene in Sud America, il vetro soffiato a Murano, la trama delle reti dei pescatori della sua terra d’origine, il Portogallo, così come competenze specifiche di sellai, falegnami o fabbri il cui lavoro si svolge ancora completamente a mano e in netta contrapposizione alla produzione di massa, in un tentativo di preservare e tramandare saperi e conoscenze tradizionali.

 

Tra i nomi ricorrenti nel suo panorama di riferimento figurano soprattutto personalità femminili, il cui lavoro per anni è rimasto parzialmente in ombra, tra cui: Anni Albers (1899-1994), designer di origine tedesca, costretta a fuggire negli Stati Uniti dopo la chiusura della scuola del Bauhaus, che oggi è considerata tra le figure più rilevanti del Novecento per la sua ricerca d’avanguardia nell’arte grafica e tessile; l’architetta di origini italiane ma profondamente legata al movimento modernista brasiliano Lina Bo Bardi (1914-1992), che ha progettato alcuni dei musei più importanti dell’America Latina, come il MASP, Museo d’Arte di San Paolo; e la cubana Clara Porset (1895-1981), allieva dell’artista Josef Albers (1888-1976) ed esule in Messico, che ha intrapreso un’approfondita ricerca sul folklore locale, sostenendo la necessità di integrare il design contemporaneo con forme e materiali tradizionali dell’artigianato.

 

the last days in Galliate

La mostra in Pirelli HangarBicocca è concepita come una complessa installazione site-specific che invade i 1.400 metri quadrati dello spazio dello Shed: le opere, di cui molte create ex novo, entrano in dialogo con gli elementi strutturali e con la luce naturale per confluire in un’unica narrazione. Lo Shed viene trasformato da un intervento che ricopre il pavimento con un intarsio in linoleum, ispirato a un disegno di Anni Albers, e che nella cromia si rifà all’iconico pavimento dell’architetto e designer Gio Ponti (1891-1979), realizzato nel 1960 per il Grattacielo Pirelli a Milano.

 

Anche la luce viene utilizzata da Antunes come elemento scultoreo e di scansione temporale: l’apertura eccezionale di otto lucernari sul soffitto dello spazio espositivo, porta luce naturale zenitale all’interno dell’ambiente, mentre quella artificiale, affidata a una serie di lampade-sculture in ottone – che a loro volta si ispirano a disegni di Anni Albers –, genera atmosfere intime e di dimensione domestica.

 

Milano e la sua ricca tradizione modernista, in particolare il lavoro degli architetti Franca Helg (1920-1989) e Franco Albini (1905-1977), diventano fonte di grande ispirazione per l’artista che intreccia tali storie al retaggio culturale di aziende come Pirelli o Olivetti e ai loro progetti.

Mario Merz “Igloos”
Curated by Vicente Todolí

25 October – 24 February
Thursday – Sunday
10 am-10 pm

Opening 24 October from 7 pm

Via Chiese 2, 20126

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Curated by Vicente Todolí, Artistic Director of Pirelli HangarBicocca and realised in collaboration with Fondazione Merz, the exhibition spans the whole 5,500 square metres of the Navate and the Cubo of Pirelli HangarBicocca, placing the visitor at the heart of a constellation of over 30 large-scale works in the shape of an igloo: an unprecedented landscape of great visual impact.

 

Fifty years since the creation of the first igloo, the exhibition provides an overview of Mario Merz’s work, of its historical importance and great innovative reach. Gathered from numerous private collections and international museums, including the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía in Madrid, the Tate Modern in London, the Hamburger Bahnhof in Berlin and the Van Abbemuseum in Eindhoven, the ‘igloos’ will be displayed together in such a large number for the first time.

 

Vicente Todolí said, “As its starting point, the exhibition ‘Igloos’ takes Mario Merz’s solo show curated by Harald Szeemann in 1985 at the Kunsthaus in Zurich, where all the types of igloos produced up until that point were brought together to be arranged ‘as a village, a town, a ‘Città irreale’ in the large exhibition hall,’ as Szeemann states. Our exhibition at Pirelli HangarBicocca will be a once-in-a-generation opportunity to re-live that experience (but expanded from 17 to more than 30 igloos) created by one of the most important artists of the post-war generation.”

 

The Milan project builds on Szeemann and Merz’s intention, highlighting how the artist continued to develop his igloo imagery with coherence and vision. The exhibition in fact also includes works conceived over the following decades, on the occasion of his major anthological and retrospective shows in the leading museums in Europe and around the world. The show opens with La Goccia d’Acqua, 1987, twelve meters in diameter, it is the largest igloo ever produced by Merz for an internal exhibition space, and was conceived on the occasion of his solo show at the CAPC musée d'art contemporain de Bordeaux.

 

In the space of the Navate, the exhibition itinerary unfolds through sets displayed in chronological order, starting from the first igloos conceived in the ’60s such as, to name but a few: Igloo di Giap, 1968, and Acqua scivola, 1969. Among those of the ’70s, Igloo di Marisa, 1972 and ‘If the hoar frost grip thy tent Thou wilt give thanks when night is spent’ (Ezra Pund), 1978 are featured here. The evolutions of the ’80s, the period in which the igloos become more complex, doubling, tripling or intersecting, are represented by works such as: Igloo del Palacio de las Alhajas, 1982 and Chiaro Oscuro, 1983. Representative of the ’90s is the Senza titolo, 1999, created for the museum park on the occasion of the solo show at the Fundação de Serralves, also curated by Vicente Todolí.

 

Through this group of works, the exhibition reveals the most innovative aspects and themes of Merz’s research, inserting it within the international contemporary artistic panorama of the last 50 years, through the use of natural and industrial materials, the poetic and evocative deployment of the written word and the dialog with the surrounding space and architecture.

 

Mario Merz’s practice developed in Turin from the ’50s onwards. A key figure of Arte Povera, he was one of the very first in Italy to use the installation medium, breaking through the two-dimensional nature of the picture by including neon tubes in his canvases and in everyday objects, such as umbrellas and glasses.

 

Through his work, he investigates and represents the processes of transformation of nature and human life, using elements from the scientific-mathematical field, such as the spiral and the Fibonacci sequence, and, from 1968, introducing what would remain one of the recurring and most representative motifs of his practice for more than 30 years: the igloo.

 

These works, visually traceable to primordial habitations, become for the artist the archetype of inhabited places and of the world, as well as a metaphor for the various relationships between interior and exterior, between physical and conceptual space, between individuality and collectivity. His Igloos are characterized by a metallic structure coated in a great variety of common materials, such as clay, glass, stone, jute, and steel—often leaning or intertwined in an unstable fashion—and by the use of neon elements and wording.

 

The delicate precariousness of these installations takes on major symbolic importance, sometimes a political one, opening up to the artist’s reflection on contemporary living, as Merz himself states: “the igloo is a home, a temporary shelter. Since I consider that ultimately, today, we live in a very temporary era, for me the sense of the temporary coincides with this name: igloo” (Mario Merz, taken from “In Prima Persona. Pittori e scultori italiani: Mario Merz, Giulio Paolini, Mimmo Spadini, Alighiero Boetti” by Antonia Mulas, broadcast on RAI Tre on 12/25/1984).

 

 

Pirelli HangarBicocca presenta “Igloos”, la mostra dedicata a Mario Merz (Milano 1925-2003), tra gli artisti più rilevanti del secondo dopoguerra, riunendo il corpus delle sue opere più iconiche, gli igloo, datati tra il 1968 e l’anno della sua scomparsa.

 

Il progetto espositivo, curato da Vicente Todolí e realizzato in collaborazione con la Fondazione Merz, si espande nei 5.500 metri quadrati delle Navate e del Cubo di Pirelli HangarBicocca e pone il visitatore al centro di una costellazione di oltre trenta opere di grandi dimensioni a forma di igloo, un paesaggio inedito dal forte impatto visivo.

 

A cinquant’anni dalla creazione del primo igloo, la mostra offre l’occasione per osservare lavori di Mario Merz di importanza storica e dalla portata innovativa, provenienti da numerose collezioni private e museali internazionali – tra cui il Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía di Madrid, la Tate Modern di Londra, l’Hamburger Bahnhof di Berlino e il Van Abbemuseum di Eindhoven –, raccolti ed esposti insieme per la prima volta in Italia.

 

La mostra “Igloos” assume come punto di partenza l’esposizione personale di Mario Merz curata da Harald Szeemann nel 1985 alla Kunsthaus di Zurigo dove vennero presentate tutte le tipologie di igloo realizzate fino a quel momento “al fine di formare un villaggio, un paese, una ‘Città irreale’ nello spazio espositivo”, come afferma Szeemann, L’esposizione in Pirelli HangarBicocca è un’occasione unica per rivivere quell’esperienza (ora estesa da 17 a più di 30 igloo), pensata da uno dei più importanti artisti del secondo dopo guerra. (Vicente Todolí).

 

Il progetto di Milano prosegue l’intento di Szeemann e Merz, mettendo in luce come l’artista abbia continuato a sviluppare con coerenza e visionarietà l’immaginario dell’igloo. L’esposizione include infatti anche opere concepite nei decenni successivi, in occasione di importanti antologiche e retrospettive nei grandi musei europei e stranieri. Si apre con La Goccia d’Acqua, 1987, il più grande igloo mai realizzato da Merz per uno spazio interno, di dodici metri di diametro, presentato in occasione della sua mostra personale al CAPC musée d'art contemporain de Bordeaux.

 

Nello spazio delle Navate il percorso espositivo si sviluppa in nuclei che seguono un ordine cronologico, partendo dai primi igloo concepiti negli anni ‘60 come, per citarne alcuni: Igloo di Giap, 1968 e Acqua scivola, 1969. Quelli degli anni ‘70: tra gli altri, sono presenti Igloo di Marisa, 1972 e ‘If the hoar frost grip thy tent Thou wilt give thanks when night is spent’ (Ezra Pound), 1978. Le evoluzioni degli anni ‘80, periodo in cui gli igloo divengono più complessi, si raddoppiano, si triplicano o si intersecano, sono testimoniate da, ad esempio: Igloo del Palacio de las Alhajas, 1982 e Chiaro Oscuro, 1983. Rappresentativo degli anni ‘90 è Senza titolo, 1999, realizzato per il parco del museo, in occasione della mostra personale alla Fundação de Serralves, curata proprio da Vicente Todolí.

Attraverso questo gruppo di opere la mostra rivela gli aspetti e i temi più innovativi di Merz, inserendo la sua ricerca all’interno del panorama artistico internazionale e contemporaneo degli ultimi cinquant’anni, come: l’utilizzo di materiali naturali e industriali, l’impiego poetico ed evocativo della parola scritta e il dialogo con lo spazio circostante e la sua architettura.

 

La pratica di Mario Merz si sviluppa a Torino fin dagli anni ‘50. Figura chiave dell’Arte Povera, è uno degli antesignani in Italia a utilizzare l’installazione, superando la bidimensionalità del quadro, inserendo tubi al neon nelle sue tele e in oggetti quotidiani come ombrelli e bicchieri.

Attraverso il suo lavoro indaga e rappresenta i processi di trasformazione della natura e della vita umana, utilizzando elementi provenienti dall’ambito scientifico-matematico, come la spirale e la sequenza numerica di Fibonacci, e introducendo a partire dal 1968 quello che rimarrà uno dei motivi ricorrenti e più rappresentativi della sua pratica per oltre trent’anni: l’igloo.

 

Queste opere, riconducibili visivamente alle primordiali abitazioni, diventano per l’artista l’archetipo dei luoghi abitati e del mondo e la metafora delle diverse relazioni tra interno ed esterno, tra spazio fisico e spazio concettuale, tra individualità e collettività. Gli igloo sono caratterizzati da una struttura metallica rivestita da una grande varietà di materiali di uso comune, come argilla, vetro, pietre, iuta e acciaio – spesso appoggiati o incastrati tra loro in modo instabile – e dall’uso di elementi e scritte al neon.

 

La delicata precarietà di queste installazioni assume una forte valenza simbolica, talvolta politica, aprendo a una riflessione dell’artista sulla vita contemporanea, come afferma Merz stesso: “l’igloo è una casa, una casa provvisoria. Siccome io considero che in fondo oggi noi viviamo in un’epoca molto provvisoria, il senso del provvisorio per me ha coinciso con questo nome: igloo” (Mario Merz, estratto da “In Prima Persona. Pittori e scultori italiani: Mario Merz, Giulio Paolini, Mimmo Spadini, Alighiero Boetti” di Antonia Mulas, trasmessa su RAI Tre il 25/12/1984).

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Urban Zellweger, “Boards”

16 November – 19 January
Monday – Friday 10.30 am - 5.30 pm
Saturday 2 - 6 pm

Opening 15 November from 6.30 pm

Via del Vecchio Politecnico 3, 20121

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Istituto Svizzero is pleased to present “Boards”, a solo presentation by Urban Zellweger in Italy.

 

For his exhibition in Milan, Urban Zellweger presents a series of new works. In the spaces of Istituto Svizzero, the young Swiss artist investigates his current research. Among other works, it includes recent small paintings on wood.

 

With the participation of Bernhard Hegglin.

Urban Zellweger (b. 1991 in Zurich, Switzerland) lives and works in Zurich.


Recent solo exhibitions include: Grass Glue, Kunstverein Nürnberg, Nürnberg (2018); Guests, HardHat, Geneva (2018); Moves, Weiss Falk, Basel (2017); Throb, Pilar Corrias, London (2017); Where am I Reptile, Karma International, Los Angeles (2016); Tables and Landscapes, Shoot the Lobster, New York, USA (2016); Plymidae, Plymouth Rock, Zürich, Switzerland (2015); Karma International, Zürich, Switzerland (2015).

Recent group exhibitions include: Belgrade Biennale, Belgrade (2018); Geist Genf, Kunsthalle Palazzo Liestal, Basel (2018); Zum Jülichstübli, Jan Kaps, Cologne (2017); Americans 17, Luma Westbau, Zürich (2017); La Velocita delle Immagini, Istituto Svizzero, Rome (2016); 3 am eternal, Take That, Dallas (2016); 89plus: “Filter Bubble”, LUMA Westbau, Zürich (2016); SURREAL, Galerie König, Berlin, Germany (2016); Of Fauna and Flora, Tomorrow Gallery, New York, USA (2016); Apres Ski, Karma International, Los Angeles, USA (2016); Europe Europe, Astrup Fearnley Museum, Oslo, Norway (2015); A Form is a Social Gatherer, Plymouth Rock, Zürich, Switzerland (2015); “+”, 1857, Oslo, Norway (2015); Barricades of Life, a Pool Outside, Kunsthalle Freiburg, Germany (2014); How do you solve a problem like Maria?, Nordstrasse 276, Zürich, Switzerland (2014); 50/50, Ok?, Kunsthof, Zürich, Switzerland (2014).

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Alfredo Jaar “Lament of the Images”

18 October – 22 December
Tuesday – Saturday
11 am-7 pm (closed 1.30-2.30 pm)

Opening 18 October

Via Stilicone 19, 20154

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Cally Spooner “Dead Time”

26 October – 22 December
Tuesday – Friday | 11 am - 7 pm (closed 1.30-2.30 pm)
Saturday 3-7 pm

Opening 25 October from 7 to 9 pm

Via Carlo Boncompagni 44, Milano, 20139

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Brice Dellsperger “Body Double”
curated by Selva Barni

24 October – 30 November
Monday – Friday
10am-6pm (closed 1-2 pm)

Opening 23 October from 7 to 9 pm

Via Paullo 12/A, 20135

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The first solo show by Brice Dellsperger in Italy introduces his work to the public through a series of video-movies from his ongoing series Body Double, started in 1995.

Installed with multiple screens and projectors across the 3 floors of Marsèlleria, the exhibition displays a large number of works to convey the richness, complexity, obsessiveness, and allure of Dellsperger’s work, and its enduring originality and relevance.

The source of the artist’s research is cinema, used as material to manipulate, recreate, subvert. Body Double takes its name from Brian De Palma’s eponymous 1984 movie and synthesizes the conceptual and physical articulations of Dellsperger’s work. In this series, together with his actor-alter ego Jean-Luc Verna, he remakes sequences of cult movies (De Palma, Hitchcock, Kubrick, Lynch, van Sant, Zulawski), playing all roles, masculine and feminine, and lip-synching original dialogues. In multiple, disorienting incarnations that question the artifice of cinema and issues of gender. While interlocking practices of appropriation and re-enactment, and mirroring the relationships between couples like author-viewer, subject-object, desire-representation, filming-editing.

The use of drag and camp, of the utterly artificial, the imperfections, the glitches, loops and duplications, destabilize the conventions of cinema and representation, and question the ways in which we project ourselves onto others - and ultimately represent ourselves. Addressing also the ordinary, overarching presence in our lives of the self-portrait, the backbone of imagination, and the construction of the self, in the age of social networks.

 

La prima mostra personale di Brice Dellsperger in Italia presenta al pubblico il lavoro dell’artista francese attraverso una serie di video della sua serie Body Double, iniziata nel 1995 e in corso da allora.

Installata con più schermi e proiettori attraverso i 3 piani di Marsèlleria, la mostra raccoglie numerose opere che rendono chiara la ricchezza, la complessità, l’ossessività e il fascino del lavoro di Dellsperger. Il senso costante della sua originalità e rilevanza.

Fonte della ricerca dell’artista è il cinema, che egli usa come materiale da manipolare, sovvertire, ricreare. Body Double prende il nome dall’omonimo film di Brian De Palma del 1984 e sintetizza le articolazioni concettuali e formali del lavoro di Dellsperger.

In questa serie, insieme al suo attore-alter ego Jean-Luc Verna, rimette in scena sequenze di film di culto (De Palma, Hitchcock, Kubrick, Lynch, van Sant, Zulawski), interpretandone tutti i ruoli, maschili e femminili, e mimandone i dialoghi con la sincronizzazione labiale.

Incarnazioni multiple e disorientanti, che mettono in discussione l’artificio del cinema e ampie questioni di genere. Insieme alla densità delle idee e delle emozioni che si insinuano nel permanente e incessante gioco di specchi tra il guardare, l’essere guardati e il guardarsi.

L’uso del drag e del camp, dell’artificialità più evidente, delle imperfezioni, degli errori, ripetizioni e copie, destabilizzano le convenzioni del cinema e della rappresentazione, e interrogano i modi in cui proiettiamo noi stessi sugli altri - e in ultima istanza come rappresentiamo noi stessi. Affrontando anche la presenza quotidiana e globale dell’autoritratto nelle nostre vite, la spina dorsale dell’immaginazione e la costruzione del sé, nell’era dei social networks.

 

 

Brice Dellsperger was born in 1972 in Cannes (France). After studying fine arts for five years in Nice Villa Arson, he moved to Paris where he lives and works as a visual artist since 1995 and as a teacher at ENSAD since 2003. He is represented by galleries Air de Paris, Paris, and Team Gallery, New York. Dellsperger's work mainly consist in a video series which counts today more than 30 films of various length, named "Body Double" after Brian De Palma's 1984 feature film. The whole video series is based on the concept of body double in commercial feature films. In Dellsperger's works, he proposes a new version of an existing movie sequence by producing a copy, also called remake, of the sequence itself, then replacing the characters of the original with various transvestites. The technique of lipsyncing is also a particularity of Dellsperger's works as his works often use the original soundtrack of the existing movie. In many Body Doubles, one non-professional actor is performing all the characters of the original movie (Dellsperger himself in Body Double 1 to 5, 13 and 15), thus visually repeating the character as many times as the number of characters/roles in the original sequence. One big hit from Dellsperger is without any doubt Body Double (X), 2000, starring Jean-Luc Verna, visual artist and friend, who is playing all the parts in this long feature film after "L'important c'est d'aimer", by Zulawski. Dellsperger works have been exhibited in various locations such as MoMA (New York), Centre Pompidou (Paris), and various countries (Brasil, Germany, UK, Spain, Italy, Turkey, Japan). Dellsperger's work is included in a number of prominent public collections including that of the Museum of Modern Art, New York.

 

Brice Dellsperger è nato nel 1972 a Cannes. Dopo gli studi d’arte a Villa Arson a Nizza, si sposta a Parigi dove vive e lavora come artista visivo dal 1005 e dove insegna all’ENSAD dal 2003.
E’ rappresentato dalle gallerie Air De Paris, Parigi, e Team Gallery, New York. La produzione di Dellsperger consiste principalmente in una serie di video che raccoglie ormai più di 30 film di varia durata, intitolata “Body Double” in onore dell’omonimo film di Brian De Palma del 1984. L’intera serie di video è basata sul concetto della controfigura nei film commerciali. Nel lavoro di Dellsperger vengono proposte nuove versioni di sequenze filmiche esistenti, producendone una copia, detta anche remake, sostituendo i personaggi originali con differenti travestiti. La tecnica del playback è una particolarità delle opere di Dellsperger, dato che frequentemente si utilizzano le colonne sonore originali. In molti Body Doubles, un attore non professionista impersona tutti i ruoli del film originale (anche lo stesso artista in Body Double 1 - 5, 13 e 15), reiterando così visivamente il personaggio tante volte quanti erano i personaggi/ruoli della sequenza originale. Un grande successo dell’artista è certamente Body Double X del 2000, interpretato da Jean-Luc Verna, artista e amico, che impersona tutti i personaggi del lungometraggio ispirato a “L’important c’est d’aimer” di Zulawski. Le opere dell’artista sono state esposte in varie istituzioni come il MoMA (New York), Centre Pompidou (Parigi) e diversi paesi (Brasile, Germania, UK, Spagna, Italia, Turchia, Giappone). Le opere di Dellsperger sono incluse in alcune importanti collezioni pubbliche tra cui quella del Museum of Modern Art di New York.

“A Constructed World, Using feelings to get rid of feelings”
In collaboration with Case Chiuse by Paola Clerico

22 November – 23 November
Monday – Friday
10am-6pm (closed 1-2 pm)

Opening 22 November from 7 to 9 pm

Via privata Rezia 2, 20135

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A Constructed World bring the audience and invited performers into a conversation about objection, the need to consider where-we-are-now-together, big hands, each others' feelings, the possibility of trust, and being in an inoperative space for a few minutes while we taste food together.
And with an undertone of urgency.

Please note that the participation to this event is submitted to RSVP to info@marselleria.org.

Trigger Parties #20

05 December – 06 December
Monday – Friday
10am-6pm (closed 1-2 pm)

Opening 05 December from 7 to 10 pm

Via privata Rezia 2, 20135

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“The Black Image Corporation”

20 September – 14 January
Mon / Wed / Thu, 10 am-8 pm
Fri / Sat / Sun, 10 am-9 pm

Opening 20 September

Fondazione Prada / Osservatorio
Galleria Vittorio Emanuele II, 20121

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“Sanguine. Luc Tuymans on Baroque”
Curated by Luc Tuymans

18 October – 25 February
Mon / Wed / Thu, 10 am-8 pm
Fri / Sat / Sun, 10 am-9 pm

Opening 18 October from 10 am

Largo Isarco 2, 20139 / Osservatorio Fondazione Prada,

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Organizzato in collaborazione con M HKA (Museo d’arte contemporanea di Anversa), KMSKA (Museo reale di belle arti di Anversa) e la città di Anversa, il progetto è proposto in una nuova e più ampia versione a Milano fino al 25 febbraio 2019, dopo una prima presentazione nella città belga da giugno e settembre 2018. Tuymans ha concepito un’intensa esperienza visiva composta da più di 80 opere realizzate da 63 artisti internazionali, di cui oltre 25 sono presentate esclusivamente alla Fondazione Prada.

“Sanguine” è una lettura personale del Barocco, costituita da accostamenti inediti e associazioni inaspettate tra lavori di artisti contemporanei e opere di maestri del passato. Senza seguire un rigido ordine cronologico o un criterio strettamente storiografico, Tuymans elude la nozione tradizionale di Barocco e invita a rileggere l’arte seicentesca, ma anche quella contemporanea, mettendone al centro la figura dell’artista e il suo ruolo nella società. Seguendo la lezione di Walter Benjamin, secondo il quale il Barocco segna l’inizio della modernità, Tuymans indaga in questa mostra la ricerca di autenticità, il valore politico della rappresentazione artistica, il turbamento indotto dall’arte, l’esaltazione della personalità dell’autore e la dimensione internazionale della produzione artistica, riconoscendo nel Barocco l’interlocutore privilegiato dell’arte di oggi. “Sanguine” non solo forza i confini abituali della nozione stessa di Barocco, estendendone la durata fino al nostro presente, ma dimostra anche come gli artisti abbiano contribuito, nel corso degli ultimi due secoli, a ridefinirla, dall’accezione negativa attribuita dalla critica d’arte del tardo Settecento, fino alla rivalutazione attuata dal pensiero post-moderno e alla riaffermazione di un’espressività barocca e figurativa nell’arte degli ultimi anni.

Il titolo della mostra – una parola che identifica il colore del sangue, il temperamento violento e ricco di vitalità di una persona, ma anche una tecnica pittorica – suggerisce una molteplicità di prospettive attraverso le quali si possono interpretare le opere esposte in cui convivono violenza e simulazione, crudeltà e teatralizzazione, realismo ed esagerazione, disgusto e meraviglia, terrore ed estasi. Nella visione di Luc Tuymans, Caravaggio – presente in mostra con Fanciullo morso da un ramarro (1595-96) e Davide con la testa di Golia (post 1606) – grazie al realismo psicologico espresso dal suo innovativo linguaggio pittorico, supera per primo la tradizione classica e manierista, incarnando lo spirito dell’artista barocco e la volontà di comunicare con il pubblico attraverso la forza della rappresentazione. Il confronto con Peter Paul Rubens, il pittore di Anversa ritrattista dei potenti e uomo politico, rivela l’ambiguità formale caratteristica della pittura barocca e la complessità delle relazioni che gli artisti hanno sviluppato nell’Europa della Controriforma e dell’insorgere della borghesia mercantile. L’arte barocca del Sei e Settecento è la prima corrente artistica ad assumere una dimensione mondiale, pur mantenendo specificità e caratteri legati alle diverse culture locali e alle sensibilità personali testimoniate in mostra, tra gli altri, da Guido Cagnacci e Andrea Vaccaro, Antoon van Dyck e Jacob Jordaens, Francisco de Zurbarán e Johann Georg Pinsel. All’interno del nostro mondo ancora più globalizzato e connesso, suggestioni, dinamiche e temi tipici dell’arte barocca si possono individuare nei lavori di autori contemporanei lontani tra loro e riuniti da Luc Tuymans in “Sanguine”.

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“Giulio Paolini. del Bello ideale”
curated by Francesco Stocchi. With scenography by Margherita Palli

26 October – 10 February
Monday – Friday by appointment | Saturday free entry
11 am-6 pm

Opening 25 October from 7 to 9.30 pm

Via Cino del Duca, 4, 20122

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Alessandro Agudio “Un po' vivace”

05 October – 24 November
Saturday - Sunday
15-19 or by appointment

Via Merano 21, 20127

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“Gli Ultimi Artisti” Emiliano Furia, Isabella Costabile

09 October – 17 November
Friday - Saturday
3-7 pm or by appointment

Opening 09 October from 7 pm

Via Privata Don Bartolomeo Grazioli 73, 20161

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Francesco Ardini “Lethe”

15 November – 12 January
Tuesday – Saturday
12 – 7 pm

Opening 15 November from 6 to 9 pm

Via Barozzi 6, 20122

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herman de vries “all all all”

12 September – 30 November
​Monday Friday ​10:30 a.m – 7:00 p.m
Saturday only by appointment

Opening 12 September from 6 to 8.30 pm

Corso di Porta Nuova 46/B, 20121

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After the artist’s solo show inaugurated in London in 2017, Cortesi Gallery is pleased to present in Milan the work of dutch artist herman de vries (Alkmaar, Netherlands, 1931): a leading figure in twentieth-century European art whose importance is gradually garnering international attention.
The exhibition, curated by Francesca Pola and realized in collaboration with the artist and his studio, brings together a series of highly significant examples of his work, to retrace the key stages in his creative career. Thanks to the chronological variety and the different types of the work included, the exhibition represents the first authentic retrospective of the artist in Italy: this is an opportunity to admire not only his monumental works in the Gallery, but also other particularly meaningful pieces which marked his creative path.

From the time of his early involvement in the international movement ZERO, in the late 1950s and early 1960s, de vries has always pursued the idea of simplicity and economy in his expressive, compositional, and working methods, in an attempt to recreate the basic mechanisms of life within the artistic process. Over the decades, his oeuvre has shown an extraordinarily rich penchant for invention and for experimentation with different materials and languages; art, science and philosophy are constantly interwoven and tied to the world around us. The aim of this exhibition is to convey this conceptual complexity, but also the sensory impact of de vries’ work, which is always a one-of-a-kind experience of extraordinary physical and mental intensity.

The show sets off with a number of works from his “random objectivation” series of the early 1970s: basic geometric configurations and white monochromes, influenced by Zen Buddhism and Taoism, and conceived as an antidote to the subjectivity and emotion of the previous Informel trends in Europe.
In the mid-1970s, de vries began to concentrate on natural materials, processes and phenomena, presenting them as primary physical realities of human existence: ever since, he has collected, arranged, singled out and displayed fragments of nature and culture, calling attention to both the oneness and the diversity of the world around us.

The exhibition therefore includes works made from organic materials such as earth from various parts of the globe, leaves, flowers, and plant matter of various origin, stones, ash, wood, and charcoal.
The hub from which de vries’ work springs is the biotope he has developed at his home base in Eschenau, Germany, and during his travels around the world. Earth, in particular, as a physical expression of different places, is also a symbolic element used by de vries; it becomes an echo of different cultures, and a natural pigment that reflects the basic, primary chromatic gradations of the world.

An extraordinary work presented in the exhibition is from earth: vergleichende landschaftstudien (1994 – 1996), made of 12 elements, each of them containing samples of earth collected in different places of the world, from Germany to Sicily, from Scotland to Senegal.
Juxtaposed with these works made from natural elements are pieces in which language itself – both visual and conventional – serves as the key material of the work, constructed by singling out and repeating an individual semantic unit or word. The choice of these words is not purely random, but rather prompts reflection on our being-in-the-world: the terms that appear in these pieces, such as “endless”, “this”,

“happy”, and above all “change”, are all keys to understanding the essence of de vries’ work, which is grounded in a fundamental dialectic between determinacy and indeterminacy, construction and destruction, compositional patterns and freedom of expression, though this conflict is always resolved in the crucial moment of the unique, never-to-be-repeated experience.

Among them is the work all all all (1994), on loan from Kunsthalle Schweinfurt, that lends its name to the show: to signify the artist’s will to include in his own work the complexity of the world, in its natural and artificial parts that are strictly interconnected and communicate with one another.
Emblematic is also the return of beauty (2003), made up of a collection of human-made artefacts that, as unused fragments that have ceased to serve any function, once again become part of the natural process: it is an invitation to rediscover the “return of beauty” in its basic essence, as traces of life poised between nature and artifice.

Himself a biologist and natural scientist, de vries believes that nature’s processes and phenomena cannot be translated and explained in merely rational terms: all of his work moves towards a suspended, poetic transposition of the meaning of life, focusing on the complex relationships between nature and culture, and how these two components of our lives influence each other.

One of the most engaging parts of the show is the installation rosa damascena. Realized on site, it is the compelling poetic and sensory impression created by the colour, but above all, the fragrance of dozens of small rose buds, arranged to form a circle at the centre of the exhibition; each visitor who walks around it comes away with a different personal experience of enormous mental and physical power. The multisensory nature of the show, in which the encounter with de vries’ work unfolds on more than one plane of perception (visual, olfactory and conceptual) points to the exceptional vitality of this artist’s work.

The exhibition is accompanied by a fully illustrated catalogue published by Mousse, which includes an essay by Francesca Pola, images of selected works, installation views of the London and Milan exhibitions and a bio-bibliographic appendix. Based on extensive art-historical research, it offers a more complete overview of de vries’ work and is meant to pave the way to further international studies.

herman de vries (Alkmaar, Netherlands, 1931) lives and works in Eschenau, Germany. He is considered an internationally pivotal figure in twentieth-century Dutch art. In 1954 he began working with mobiles, collage, and monochrome, and quickly took on a prominent role in the Dutch group Nul and the international movement ZERO; this also included intense involvement with experimental publishing, in projects such as the review Integration. His works can be found in the collections of museums around the world, and in 2014 and 2015 were featured in the exhibitions on ZERO at the Guggenheim Museum in New York, the Martin Gropius Bau in Berlin, and the Stedelijk Museum in Amsterdam. He represented the Netherlands at the International Art Exhibition of the Venice Biennale in 2015, where his project in the national pavilion and on the island of Lazzaretto Vecchio drew unanimous praise from critics and visitors.

 

Cortesi Gallery, dopo la prima personale dell’autore inaugurata a Londra nel 2017, è lieta di presentare nella propria sede milanese, l’artista olandese herman de vries (Alkmaar, Olanda, 1931): figura fondamentale nell’arte europea della seconda metà del XX secolo, la cui importanza sta gradualmente raggiungendo una crescente attenzione internazionale.

La mostra, curata da Francesca Pola e realizzata in collaborazione con l’artista e il suo studio, raccoglie una serie di esempi fondamentali del suo lavoro, al fine di presentare i momenti cruciali della sua attività creativa. Per completezza e varietà cronologica e tipologica, l’esposizione si configura come la prima autentica retrospettiva dell’artista in Italia: è un’occasione unica per poter vedere raccolte negli spazi della galleria opere monumentali insieme a lavori altamente significativi, che ne esemplificano l’intero iter creativo.

Sin dai propri esordi nel movimento internazionale di ZERO, tra gli anni Cinquanta e gli anni Sessanta, de vries ha costantemente lavorato su un’idea di essenzialità ed elementarità espressiva, compositiva e operativa, cercando di ricreare, attraverso l’operazione artistica, i meccanismi fondamentali della vita. Nel suo lavoro, caratterizzato attraverso i decenni da una straordinaria ricchezza inventiva di soluzioni e sperimentazioni materiche e linguistiche, l’arte, la scienza e la filosofia vengono costantemente messe in relazione tra di loro e con la realtà del mondo. Obiettivo di questa mostra è presentare tale complessità concettuale ma anche immediatezza sensoriale del lavoro di de vries, l’incontro con il quale costituisce sempre un’esperienza unica, di eccezionale intensità fisica e mentale.

La mostra prende le mosse da alcune opere del ciclo delle “random objectivation” (oggettivazioni casuali) dei primi anni Settanta, composizioni elementari geometriche e monocrome bianche, influenzate dalla cultura orientale del buddismo zen e del taoismo, e concepite quale antidoto alla soggettività ed espressività emotiva delle precedenti tendenze europee informali.

A partire poi dalla metà degli anni Settanta, de vries si è concentrato su materiali, processi e fenomeni naturali, presentandoli come realtà primarie e fisiche dell’esistenza umana: da allora, raccoglie, ordina, isola e presenta frammenti di natura e cultura, dirigendo la nostra attenzione sia verso l’unicità che verso la diversità del mondo che ci circonda. Sono così presenti in mostra lavori realizzati con materiali organici come terre provenienti da diverse parti del mondo, foglie, fiori e piante di varia origine vegetale, pietre, ceneri, legno, carbone. Fulcro di germinazione dell’opera di de vries è il biotopo da lui sviluppato a Eschenau, in Germania, dove risiede, e durante i suoi viaggi in tutto il mondo. La terra in particolare, come espressione fisica di diversi luoghi, è per de vries anche un elemento simbolico, che diviene traccia di differenti culture, e viene utilizzata come pigmento naturale che intende presentare le dimensioni cromatiche essenziali e primarie del mondo. Presenza straordinaria in mostra è il grande lavoro ‘from earth: vergleichende landschaftstudien’ (1994 – 1996), articolato in 12 elementi che raccolgono ciascuno campionature di terre provenienti da luoghi diversi del mondo, dalla Germania alla Sicilia, dalla Scozia al Senegal.

In dialogo con i lavori costituiti da elementi naturali, vi sono opere nelle quali è invece il linguaggio stesso, visivo e convenzionale, con l’isolamento ripetuto di un singolo segno o di una singola parola, a costituire l’elemento primario e fondamentale dell’opera. La scelta di tali parole non è puramente casuale ma

determina una riflessione concettuale sul nostro essere nel mondo: termini come endless (senza fine), this (questo), happy (felice) e soprattutto change (cambiamento), presenti in queste opere, sono tutte parole chiave per comprendere l’essenza del lavoro di de vries, fondato su una dialettica fondamentale tra determinazione e indeterminazione, costruzione e distruzione, regolarità compositiva e libertà espressiva, sempre e comunque risolta nel momento fondamentale dell’esperienza irripetibile e unica del momento. Tra questi, la grande opera all all all (1994), in prestito dalla Kunsthalle Schweinfurt, da anche il titolo alla mostra: a significare la volontà dell’artista di includere nel proprio lavoro il complesso del mondo, nelle sue componenti naturali e artificiali come strettamente interconnesse e dialoganti tra loro. In questo senso, emblematica è anche the return of beauty (2003), opera costituita da una raccolta di artefatti di origine umana che, nella loro condizione di frammenti inutilizzati dopo che ne è cessata la funzione, ritornano parte del processo naturale: è un invito a ritrovare appunto il “ritorno della bellezza” di questa dimensione primaria che li connota, come tracce di vita tra natura e artificio.

Biologo e scienziato egli stesso, de vries ritiene che i processi e i fenomeni naturali non possano essere tradotti e spiegati unicamente in termini razionali: tutto il suo lavoro tende a questa trasposizione poetica e sospesa del significato della vita, concentrandosi sulle relazioni complesse tra natura e cultura, e su come queste due componenti della nostra esistenza si influenzano a vicenda.

Una delle parti più coinvolgenti della mostra è poi l’installazione rosa damascena, realizzata in loco e costituita da una fortissima esperienza poetica e sensoriale, indotta dal colore ma soprattutto dal profumo di decine di piccoli bulbi di rosa, collocati a costituire uno spazio circolare al centro dell’esposizione, attorno al quale ciascun visitatore vive una esperienza immediata differente e di grande energia psicofisica. La sostanza multisensoriale della mostra, dove l’incontro con l’opera di de vries avviene a diversi livelli di percezione (da quella visiva, a quella olfattiva, a quella concettuale), conferma così la straordinaria vitalità dell’opera di questo autore.

La mostra è accompagnata da un catalogo completamente illustrato, edito da Mousse, che include un saggio di Francesca Pola, immagini di una selezione delle opere esposte, vedute della mostra di Londra e di Milano e un’appendice bio-bibliografica. Fondato su un’estesa ricerca storico-artistica, offre una comprensione più completa e apre a ulteriori studi internazionali sul lavoro di de vries.

herman de vries (Alkmaar, Olanda, 1931) vive e lavora a Eschenau in Germania. È una delle figure internazionalmente cruciali dell’arte olandese della seconda metà del XX secolo. Dal 1954 lavora a mobiles, collage, monocromi, assumendo precocemente un ruolo di protagonista nel gruppo olandese Nul e nel movimento internazionale di ZERO, anche attraverso un’intensa attività di editoria sperimentale, tradotta ad esempio nella rivista Integration. Sue opere sono presenti in musei di tutto il mondo e ha partecipato tra 2014 e 2015 alle mostre dedicate a ZERO al Guggenheim Museum di New York, al Martin Gropius Bau di Berlino e allo Stedelijk Museum di Amsterdam. Ha rappresentato l’Olanda alla Biennale Internazionale d’Arte di Venezia del 2015, con un progetto articolato tra il padiglione nazionale e l’isola del Lazzaretto Vecchio, che ha riscosso unanime successo di critica e pubblico.

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Omaggio a Mario Schifano. Al principio fu Vero amore

30 November – 16 February
Tuesday – Saturday, 10 am-7 pm (closed 1-3 pm)
(aperto:15 aprile / chiuso: 31 marzo, 25 aprile e 1° maggio)

Opening 29 November from 6 pm

Via Tadino 15, 20124

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“Dear Mario: work, unplug the phone and forget all the troubles of this world. Best regards.”
This letter, dated 29 September 1965 and addressed to Mario Schifano, was signed by Giorgio Marconi on the eve of the inaugural exhibition in his first exhibition space.


True Love was the first painting the Roman artist showed at Studio Marconi in November that same year, alongside works by Valerio Adami, Lucio Del Pezzo and Emilio Tadini.
True Love was also the title of Schifano’s first solo exhibition, again at Marconi’s, just a month later in December 1965. This exhibition was soon followed by others: Inventario con anima e senza anima (November 1966), Tuttestelle (October 1967), Compagni, compagni (December 1968) and Paesaggi TV (December 1970).
It is precisely to this period of Mario Schifano’s career that Fondazione Marconi has turned its attention, offering a tribute to the artist twenty years after his death while also retracing the early stages of his collaboration with Studio Marconi.
After an initial apprenticeship in Informalism, Schifano’s painting emerged in the early 1960s. The first exhibition of his work was in 1959 at Galleria La Salita in Rome, in a group show that included Festa, Angeli, Lo Savio and Uncini. In the exhibition catalogue, Cesare Vivaldi commented: “Mario Schifano is perhaps the most genuine painting talent to appear in Rome since Burri.”
It was the period of his monochromes: highly original paintings in one or two colours that seemed to evoke the zero degree of painting and the arrival at a point of no return.
But that was only a starting point, since as early as 1962 his works became populated with fragments of images and signals from the metropolitan landscape, which shortly made way for new kinds of painting that included images of streets, accidents, nature en plein air, “anaemic landscapes”, “details” and “trees”.
It was during this period that Giorgio Marconi got to know Schifano, having seen his work at Plinio De Martiis’s Galleria la Tartaruga and at Mara Coccia’s. Marconi bought his first Schifano paintings at Federico Quadrani’s Galleria Odyssia, where he also had the opportunity to meet the artist in person.
In the latter half of 1963 Marconi and Schifano established their first collaborative agreements, which in the spring of the following year were formalised in an exclusive contract.
Captivated by his paintings, Marconi called him “a brilliant volcano” and considered him one of the greatest Italian painters of his day.
The partnership between the two ended in 1970, but Marconi’s interest in Schifano continued. He organised exhibitions of his work in 1974,1990 and 2002, as well as two more recent shows held in 2005 and 2006, entitled respectively Schifano 1960-1964. From the Monochromes to the Streets, and Schifano: From Landscape to TV, each accompanied by an important catalogue published by Skira.
This current exhibition aims to reconstruct the exhibitions that took place between 1965 and 1970, beginning on the ground floor with Vero amore (1965), where the main image is of a leafy, robust and vigorous tree, repeated innumerable times in various versions. This is followed by Inventario con anima e senza anima (1966), in which Schifano presented the cycle Futurismo rivisitato, based on the well-known photograph of the Futurist group taken in Paris in 1912, and Tuttestelle (1967), in which spray-painted stars evoke childhood memories, and Schifano began his use of transparent or coloured Perspex sheets to create original veiling effects. Following these is an entire room dedicated to large masterpieces, while the first floor hosts the series Compagni, compagni (1968), inspired by the political events of the day and based on a photograph of Chinese workers or students bearing a hammer and sickle, which Schifano transformed into a media icon. The itinerary ends on the second floor with Paesaggi TV (1970), in which images taken from the television screen have been isolated from their context, elaborated with touches of nitroaniline colour and displayed on emulsified canvas, paper or film.
The exhibition not only intends to pay homage to the artist, but also to celebrate his collaboration with the historic Milan gallery, which at the time had just begun to operate.
The public will therefore be able to see (or see again) works that were presented in Milan in those years (often for the first time), and which still form an integral part of the Marconi collection.
The exhibition itinerary is completed by an extensive selection of repertory materials, including publications, photographs and writings.

 

“Caro Mario lavora, stacca il telefono e dimentica tutte le rogne di questo mondo. Un caro saluto.” La lettera, datata 29 settembre 1965, e indirizzata a Mario Schifano è firmata da Giorgio Marconi alla vigilia della mostra inaugurale del suo primo spazio espositivo.
Vero amore è il primo quadro che l’artista romano espone a Studio Marconi nel novembre dello stesso anno, accanto a opere di Valerio Adami, Lucio Del Pezzo ed Emilio Tadini.

 

Vero amore è anche il titolo della prima personale che egli tiene, sempre da Marconi, appena un mese dopo, nel dicembre 1965.
Seguono nell’ordine, a brevissima distanza: Inventario con anima e senza anima, nel novembre 1966, Tuttestelle, nell’ottobre 1967, Compagni, compagni, nel dicembre 1968, e Paesaggi TV, nel dicembre 1970.

È su questo preciso momento della carriera di Mario Schifano che la Fondazione Marconi concentra l’attenzione dedicandogli un omaggio, a vent’anni dalla morte, e ripercorrendo gli inizi della sua collaborazione con Studio Marconi.
La pittura di Schifano nasce nei primi anni Sessanta, dopo un apprendistato all’insegna di esperienze informali. La sua prima mostra ha luogo alla galleria La Salita di Roma nel 1959, insieme a Festa, Angeli, Lo Savio, Uncini. Nel catalogo della mostra Cesare Vivaldi scrive: “Mario Schifano è forse il talento pittorico più genuino che sia apparso a Roma dopo Burri.”

È il momento dei monocromi, originalissimi quadri verniciati con una sola tinta o due, quasi a voler evocare il grado zero della pittura, il raggiungimento di un punto di non ritorno.
Ma è solo un punto di partenza poiché già dal 1962, le sue opere si popolano di frammenti di immagini e segnali del paesaggio metropolitano, per aprirsi poco dopo a nuove espressioni pittoriche con le strade, gli incidenti, la natura “en plein air”, i “paesaggi anemici”, i “particolari” e gli “alberi”.

Giorgio Marconi entra in contatto con l’artista in questo periodo, dopo averne visto i lavori alla Galleria La Tartaruga di Plinio De Martiis e da Mara Coccia. Acquista le prime opere alla Galleria Odyssia di Federico Quadrani, dove ha l’occasione di conoscerlo di persona.
Nella seconda metà del 1963 stabilisce direttamente con lui i primi accordi di collaborazione, che nella primavera dell’anno seguente vengono formalizzati da un contratto di lavoro in esclusiva.

Profondamente affascinato dai suoi quadri, Marconi lo definisce “un vulcano geniale” e lo considera uno dei più grandi talenti pittorici italiani del suo tempo.
Il sodalizio tra i due finisce nel 1970, ma non si estingue l’interesse per l’artista da parte di Marconi che continua a organizzare mostre di sue opere (nel 1974, 1990, 2002) fino alle più recenti del 2005 e 2006, rispettivamente intitolate Schifano 1960-1964. Dal monocromo alla strada e Schifano. Dal paesaggio alla TV, e corredate da due importanti volumi editi da Skira.

Il percorso espositivo mira oggi a ricostruire le mostre che ebbero luogo dal 1965 al 1970; al piano terra si parte da Vero amore (1965), dove l’immagine principale raffigura un albero frondoso, robusto e vitale, ripetuto innumerevoli volte in versioni differenti; seguono Inventario con anima e senza anima (1966) – in cui Schifano presenta il ciclo Futurismo rivisitato, riprendendo la nota fotografia del gruppo futurista scattata a Parigi nel 1912 – e Tuttestelle (1967) in cui le stelle dipinte a spruzzo evocano ricordi infantili e l’artista comincia a utilizzare calotte di perspex trasparente o colorato per ottenere originali effetti di velatura. Un’intera sala è poi dedicata ai capolavori di grandi dimensioni, mentre al primo piano figurano i Compagni, compagni (1968) ispirati all’attualità politica, in cui la fotografia di alcuni operai o studenti cinesi, muniti di falce e martello, si trasforma in icona mediatica. Il percorso si conclude al secondo piano con i Paesaggi TV (1970) nei quali immagini riprese dallo schermo televisivo, isolate dal contesto e rielaborate con tocchi di colore alla nitro o all’anilina, vengono riportate su tela emulsionata, carta o pellicola.

Se, da un lato, l’obiettivo della mostra è rendere un dovuto omaggio all’artista, dall’altro, si vuol celebrare la sua collaborazione con la storica galleria milanese che aveva da poco iniziato la sua attività.
Il pubblico potrà così vedere (o ri-vedere) opere che furono presentate a Milano in quegli anni – spesso per la prima volta – e che ancor oggi fanno parte integrante della collezione Marconi.

Completa il percorso espositivo un’ampia e variegata selezione di materiali di repertorio, tra pubblicazioni, fotografie, scritti.

 

 

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Public Movement “Temporary Orders”

10 November – 15 December
Tue - Sat 10 am - 7 pm

Opening 10 November from 5 to 9 pm

Viale Vittorio Veneto 30​, 20124

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Vistamarestudio è lieta di presentare Temporary Orders, la prima mostra-performance di Public Movement in Italia.

Public Movement è un gruppo di ricerca e performance che indaga il tema della costituzione d’identità nazionali, sociali e politiche attraverso coreografie e riproduzione di codici e simboli. Sin dalla sua nascita, Public Movement ha esplorato regole, forze, agenti, politiche, strutture identitarie e sistemi ritualistici che condizionano le dinamiche della vita collettiva e degli spazi comuni.

 

In Temporary Orders, Public Movement invita i visitatori, in piccoli gruppi, a partecipare a un “viaggio” di 20 minuti attraverso gli spazi della galleria. Attingendo dal loro lessico coreografico, i performer inscenano cerimonie, brevi discorsi e movimenti orchestrati, evidenziando le intersezioni già esistenti tra arte, mercato dell’arte, il modernismo e impulsi ideologici, mentre la galleria viene trasformata dall’interazione fisica.

Il progetto comprende quattro performance che esplorano il modo in cui la memoria corporea veicola la nostra esperienza e percezione delle narrazioni storiche, e il modo in cui queste narrazioni si riflettono sulle odierne strutture identitarie.

 

Al centro della mostra – Choreography for a Collection – una nuova performance, ideata espressamente per la galleria e basata sulle ricerche effettuate dal gruppo, relative all’arte prodotta in Italia tra il 1909 e il 1945 che è andata persa, distrutta o trafugata durante la seconda guerra mondiale. Opere condannate a sparire dalla stessa ideologia che volevano ritrarre.

 

The Choir è una nuova opera musicale composta da una selezione di movimenti eseguiti dalle Guardie d’Onore in diverse parti del mondo. È un “coro di piedi” che marciano da fermi, realizzando una nuova interazione ritmica del balletto di stato.

 

Falling Wall è una rappresentazione in cui compaiono un muro, tre performer femminili, un breve rituale e una caduta improvvisa. L’atto di distruzione diventa parte di un atto di commemorazione, mettendo in discussione l’immutabilità dei monumenti pubblici.

Chiude la mostra Debriefing Session: Vistamarestudio, un incontro a due con uno dei membri di Public Movement che racconta di una loro ricerca sull’arte moderna creata in Palestina negli anni antecedenti il 1948. Quest’incontro individuale rievoca il carattere performativo dei rapporti tra gli stati nazionali e le loro istituzioni culturali.

Public Movement è stato fondato nel 2006 e da allora lavora con progetti site- specific e time-specific per musei, biennali e eventi in spazi pubblici in tutto il mondo. Nel 2018 ha creato The Interview basata sul profilo psicologico dell’esercito di Israele. Nel 2017 ha messo in atto la performance Rescue ad Aarhus, capitale europea della cultura. Nel 2016 ha presentato due nuove commissioni: Debriefing Session: Guggenheim e Choreographies of Power al Guggenheim Museum, New York. Nel 2015 la mostra personale National Collection al Museo d’Arte di Tel Aviv e la pubblicazione con Sternberg Press del libro Solution 263: Double Agent di Alhena Katsof e Dana Yahalomi. Public Movement è stato selezionato per Future Generation Art Prize 2014 al Pinchuk Art Center di Kiev e ha vinto il premio Rosenblum per l’eccellenza nelle arti. Hanno partecipato alla Biennale d’Arte Asiatica a Taipei; alla Biennale di Göteborg; alla Biennale di Berlino; a Performa, New York, allo Steirischer Herbst Festival, Graz; Teatro Hebbel am Ufer, Berlino, Checkpoint Helsinki e ha esposto al Van Abbemuseum, Eindhoven; New Museum Triennial, New York; Zacheta National Gallery, Varsavia; Centro australiano per l’arte contemporanea, Melborne, ecc.

 

Direttore Public Movement: Dana Yahalomi
Debriefing Session è stato ideato da: Alhena Katsof e Dana Yahalomi
Delegati di Public Movement: Maayan Choresh, Gali Libraider
Debriefing Session II, Agente e ricercatrice primaria: Hagar Ophir
Compositore: Yoni Silver
Public Movement Italia: Marina Bertoni, Gianmaria Borzillo, Gianmaria Girotto, Francesca Lastella, Edoardo Mozzanega, Erika Schipa, Giada Vailati
Public Movement production manager: Adi Nachman
Public Movement Tel Aviv: Tal Adler, Maayan Choresh, Mor Gur Arie, Meshi Olinky, Gali Libraider, Danielle Shoufra
Public Movement Studio Manager: Lihi Levy
Public Movement è stato fondato nel 2006 a Tel Aviv da Omer Krieger e Dana Yahalomi. Dal 2011 Yahalomi è il solo direttore del gruppo.
Le nuove performance sono state sviluppate durante una residenza di Public Movement al CCA di Tel Aviv.

 

Temporary Orders – date
17 | 24 novembre – 1 | 5 | 15 dicembre

Per partecipare alla performance è necessario prenotarsi attraverso il sito vistamarestudio.com seguendo le istruzioni e scegliendo giorno e orario. Sarà possibile partecipare alla performance senza previa prenotazione, salvo disponibilità.

 

Per qualsiasi informazione si prega di contattare la galleria: contact@vistamarestudio.com o +39 02 63471549

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Eric Schmid, Michael Pollard “LIFE IS GOOD”

26 October – 24 November
Monday – Friday​, ​​11 am-6 pm

Opening 26 October from 7 to 9 pm

Via G. Giulini 5, 20213

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Francesco Pantalone Arte Contemporanea

Tuesday - Saturday from 15.00 to 19.00 (and by appointment)

www.fpac.it
milano@fpac.it
02 87214884
Via San Rocco, 11, 20135 Milano

Stefania Galegati Shines “Modalità Aereo”
Curated by Agata Polizzi

27 September – 17 November
Tuesday - Saturday from 15.00 to 19.00 (and by appointment)

Opening 27 September from 6 to 9 pm

Via San Rocco, 11, 20135

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Modalità Aereo (Airplane Mode), Stefania Galegati Shines' personal exhibition (1973), now on show at Francesco Pantaleone Arts Gallery in Milan, and curated by Agata Polizzi, allows for a moment of reflection on the Italian artist's poetics with regards to her twenty-year international career. As always, she continuously casts a critical eye over our society and its cultural practices — her narrative is often deprived of the facts, and very often is returned with brilliant, unconventional solutions, because she observes “through the back door”, she lingers on details that nobody can see or want to see, and on the inconvenience of confronting yourself with situations in their minor aspects or in their grey zones.

In the artwork created for her personal exhibition in Milan, she finds in the “Airplane Mode” the right degree of suspension in relation to the contexts — Galegati Shines knowingly, yet inevitably, chooses the silence, the detachment, looks for space to take some time, to disconnect, to take a step backwards.

This is a disposition that allows you to observe and listen, it's a voluntary exile from the enormous overexposure to media, it's a research study that investigates the weaknesses which we're used to living with, it's a way of addressing a precarious condition on a plan that according to Galegati Shines is facing outwards. In this renewed loneliness, the artist tries to express a thought, proposes her research through new works that are the soul and conscience of a community of which she is the interpreter and to which she inevitably belongs.

 

Modalità Aereo mostra personale di Stefania Galegati Shines (1973) alla Galleria Francesco Pantaleone Arte Contemporanea Milano, a cura di Agata Polizzi, segna un importante momento di attenzione sulla poetica dell’artista italiana rispetto alla sua ormai ventennale carriera internazionale, uno sguardo sempre acuto è rivolto costantemente alla società e alle sue pratiche culturali, la sua è una narrazione spesso scabra dei fatti, molto spesso restituita con soluzioni geniali e mai convenzionali, perché il suo punto di vista osserva “dalla porta di servizio”, si sofferma sui dettagli che nessuno vede o vuole vedere, sulla scomodità di confrontarsi con le situazioni nei loro aspetti marginali o nelle zone d’ombra.

Il lavoro realizzato per la personale a Milano cerca nella “modalità aereo” il giusto grado di sospensione rispetto ai contesti, Galegati Shines sceglie deliberatamente ma anche per imposta necessità il silenzio, il distacco, trova spazio per prendersi del tempo, per disconnettersi, per fare un passo indietro.

E’ questa una disposizione che consente di osservare e di ascoltare, è un esilio volontario dall’enorme sovraesposizione mediatica, è una modalità di ricerca attraverso cui indagare le fragilità con cui siamo abituati a convivere, di fare i conti con una condizione precaria su un piano che per Galegati Shines è rivolto all’esterno. In questa rinnovata solitudine l’artista prova ad elaborare un pensiero, propone la sua ricerca attraverso nuovi lavori che sono anima e coscienza di una collettività di cui è interprete e inevitabilmente anche partecipe.

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